Obra: Brahms 2nd Symphony– Acrílico Monoprint– 59×42 cm.

Artista: Hilli Thompson

Aquí tenemos una fantástica iniciativa surgida de una mente original. Como recrear el sentimiento que despierta la música en un individuo sobre un medio físico.
En este caso Hilli Thompson eligió la 2á Sinfonía de Johannes Bramhs, puso la música a todo volumen y se dejó ir. Observamos como el artista deja una fuerte imprenta de su mano en todo lo que es el color rojo y el color verde oscuro. El azul, lo usa para dinamitar la gran pasión que le ha despertado la sinfonía, consiguiendo el equilibrio de tonalidades.
Hill recrea una esfera, una pelota de energía, un instante de pasión, un latido de corazón y en su interior un espíritu danzarín que persigue las notas de la sinfonía. Para ello no duda en mezclar los tres colores en un nexo de unión (la parte superior de la esfera). El nexo, toma forma de cabeza humana y si seguimos la diagonal hacia abajo, persiguiendo el azul, podemos entrever una figura humanoide flotando en su interior. El rojo representa un anillo de fuego que se esconde en el interior de otro anillo más grande de tierra (el verde oscuro). Una base de agua, mantiene bajo control los dos anillos. Estos quedan sujetos formando una esfera de 2 áureas.

Don Berto Rascazzione

Obra: Familia — TÉCNICA MIXTA SOBRE MADERA — 42 X 60 cm.

Artista: ANTONI CAMARASA

Navegando por la red, encontré un día este cuadro. Después de un buen rato observando sus líneas y los colores utilizados, llegué a la conclusión que el cuadro ideal para las oficinas centrales de las ONG debería seguir una temática similar a la utilizada en esta pintura.

La familia, como así llama Antoni al cuadro, representa la unión fraternal del medio árido que rodea a la familia de zorros y la composición de la base de la obra (madera). Con este estilo, el artista provoca un feeling entre el medio y el paisaje «Es una pintura, pero sabe a bosque». Los colores utilizados son bastos y las líneas para definir las formas, vulgares. Aun así, sin tener un trazo definido, el autor muestra como con rayas se puede llegar a recrear una escena sin llamar la atención. Lo que más puede destacar de la obra es el concepto que se puede leer en él si la obra se cuelga en una ONG.

La mamá zorra, conversando con sus cachorros sobre cual plato es más exquisito, si el conejo o la liebre. Los cachorros parecen ratas o ardillas, pero imaginémonos que la zorra los ha adoptado como adopta muchas veces el primer mundo al tercero, dándoles un buen manjar, para luego comérselos cuando ya están grasos. El terreno es árido, como lo es en muchos casos el mundo donde habita la miseria. La madre zorra, tiene la cola en posición horizontal como un manto protector, pero no cubre muy bien; seguramente debe cubrir las alimañas que se esconden bajo tierra. Los cachorros de zorro o ratas o ardillas miran fijamente a la madre zorra, pero la madre zorra pierde su vista en el horizonte; debe estar mirando los fondos de inversión. La pregunta es ¿Quien es la madre zorra? El gobierno o la ONG.

Don Berto Rascazzione

Desde siempre se ha discutido si la pintura debe de buscar la belleza como su cometido exclusivo o, por el contrario, debe de servir a otros fines. Los grandes formatos religiosos en nuestras iglesias, nos hablan de un interés por adoctrinar al pueblo llano con los hechos más relevantes de la religión mientras que la pintura histórica del XVIII y XIX parece ser un enaltecimiento de los prohombres de las patrias. Pero hay otros cometidos. Castelao, insigne gallego de la primera mitad del XX, hace una obra, básicamente dibujos si no me equivoco, donde une la denuncia de una sociedad injusta , la gallega, anclada en los privilegios de una tradición casi feudal, con una exquisitez infinita. No sabría decir si en ese autor me impacta más lo que dice y acusa o la belleza con que lo dice. Sus dibujos llevan dentro de si la finura del alma gallega, profunda de soledades y misterios como la fraga.

PRESTIGE

Eso fue en Castelao, ya hace cien años. Pero no es una casualidad que en esa tierra martirizada por el abandono, la emigración y una costa que terriblemente se llama «De la Muerte» – haciendo referencia a los marinos, que no es un bautismo para uso del turismo- surjan otros artistas que retomen el mismo espíritu de sus mayores. Y uno de ellos es Ricardo Outes. De entre su obra, que puede verse en http://www.oletuarte.com/usuarios/ricardooutes….. recojo tres pinturas , una, significativamente, dedicada al mismo Castelao, terrible, donde Outes parece querer entroncar y que a la vez es premonitoria… de una catástrofe que se refleja en las otras dos de las que nada necesito comentar porque hablan por sí mismas. Son obras fuertes, contundentes, pintadas con las mismas manos que quizá hoy mismo se encuentren arrancando fuel, todo al mismo tiempo, todo sintiendo la misma rabia. Son obras de este momento, de ahora mismo. Y llego con ello al encabezamiento de este pequeño artículo: ¿qué buscan los artistas?, ¿belleza , enseñanza o denuncia?. Outes nos da una respuesta inteligente: belleza, denuncia, testimonio.

ENDEXAMAIS

Quizá Ricardo Outes sea uno de estos pintores que uniendo en su obra lo intemporal de la belleza con lo muy temporal de sus propias vivencias en su propia tierra elabore una respuesta más que satisfactoria a nuestra cuestión. Sea como fuere, amigo lector, bien merece que dediques un momento a recorrer la página de este pintor que tan bien encarna el espíritu de Galicia. Es un buen ejemplo de cómo el arte puede ser contemporáneo de la propia vida. Y de esta inteligente manera, llegar a hacer una obra donde la belleza, para mí objetivo último del arte, lejos de quedar sola en una esterilidad estética, es bien acompañada por otros menesteres, alcanzando así cierta plenitud de la «obra completa». Y es que el «arte» no sólo debe de ser arte, aunque sea necesario que sea arte.

CASTELAO

Joaquín Belmonte

«Dos desconocidos consiguieron colgar en las paredes del museo Guggenheim de Bilbao un cuadro ‘falso’ con el objetivo de hacerlo pasar por una obra de arte y denunciar de esta forma ‘el falso valor del arte moderno’.»


Laberinto de amor, Mike Nedo.1978

Ya sucedió con Marcel Duchamp o con Piero Manzoni entre otros, ahora otro artista Mike Nedo nos muestra su inconformismo respecto al concepto del arte que tenemos en la actualidad. Según él mismo manifiesta: «Cualquier cosa en arte puede ser importante si se difunde de forma adecuada».

Nos encontramos ante la llamada sociedad del espectáculo de Guy Debord, donde son los medios los que nos dictan la verdad y la mentira, lo bueno y lo malo, lo bello y lo feo, de la misma manera nos dicen que es lo que tiene valor sin sustentar estos juicios en criterio alguno. El problema actual del arte es la falta de criterios, es el libre albedrío estético, el todo vale.

De esta manera es más fácil para nosotros salvar este problema y nos conformamos con ir a un museo donde se nos diga que es arte.

Pink

Obra: Sensual Abstractions — aprox.1999 — Tamaño desconocido

Artista: Priya C.Link

Priya C. Link nos ofrece un paseo por la sensualidad. Sin perder las formas y con una picaresca envidiable. Priya ha conseguido recrear en una serie de pinturas: el arte de amar. Como finos velos rojos danzando en el aire, fregándose unos con otros, se puede llegar a simular un acto tan humano y tan primitivo como es el sexo. Ofreciendo al visitante de este mundo ficticio la posibilidad de perderse entre bailes y fiestas de brisas y velos. Una serie de cuadros no aptos para mojigatos ni para extremistas religiosos. Ideal para hogares donde predomine el blanco y la ambientación modernista.

Don Berto Rascazzione

En homenaje al hace poco fallecido Hans-Georg Gadamer, vamos a referirnos a su planteamiento sobre el arte en su obra «La Actualidad de lo Bello», en esta obra Gadamer busca la relación entre la tradición artística y el arte moderno, se enfrenta a Hegel cuando este se refiere a la «muerte del arte», así como a las posiciones que consideran el arte como expresión puramente emotiva. Gadamer afirma que el arte es una forma de conocimiento, pues, de otra manera el arte como pensaba Nietzsche está vacío de «verdad», a lo cual se suma que el arte actual prescinde de reglas. Por esto Gadamer piensa que se necesita «Justificar el arte».

Se necesita «leer» en los objetos para descubrir sus valores de arte y belleza que facilitan su comprensión y la propia auto comprensión de lo humano a lo largo del tiempo y el espacio como descubrimiento de la verdad. La aparición del «arte objetual» y el «arte conceptual» y el hecho de que se eliminen los replanteamientos de la finalidad artística -ya no la belleza, sino incluso la fealdad o el «todo vale»- se han visto reforzadas en los últimos treinta años del siglo por diversas tendencias estéticas que generan confusiones, provocando una «crisis del arte».

Esta crisis viene dada por un distanciamiento entre el artista y su destinatario. Así, por ejemplo, el arte pictórico de la alta Edad Media, era un texto de signos figurativos que instruía y permitía el conocimiento y la ilustración de un pueblo cumpliendo así una función en la sociedad. En cambio el arte no-figurativo de nuestro tiempo se convierte en un texto cerrado, hermético, sólo comprensible a una minoría. El arte de hoy representa una tarea para el pensamiento: pintura, música, teatro, arquitectura, poesía, no son textos abiertos, sino que requieren del conocimiento de un código para su comprensión por parte del destinatario.

«La obra de arte significa un crecimiento en el ser. «
GADAMER

Pink

Obra: Tormenta bajo Kapiti– 11/2001 — Óleo en sondeo desfragmentado– 87X54CM

Artista: William Gee Painter

Hoy salía de mi casa para dirigirme al trabajo y durante el trayecto he observado que había mucho tránsito. En el pueblo donde yo vivo durante 11 meses esto es inusual, pero cuando llega el mes de agosto, la gente de las grandes urbes nos invade. Reflexionando sobre este hecho, pensaba en como debe ser la vida de estas personas durante los otros 11 meses restantes los cuales conviven con la esclavitud capitalista de la ciudad. Me imagino un otoño gris, un asfalto triste. Me imagino un invierno helado, unos árboles melancólicos. Me imagino una primavera lluviosa, charcos que duran y perduran entre depresiones de calles degradadas por el tránsito estresante y duradero.
Entonces es cuando entiendo el por que de escapar durante ese mes de ficticia libertad. La gente no deja de ser gente por vivir en grandes ciudades y si van y vienen a los pueblos de costa o se acercan al monte o al pueblo, es para recordar sus orígenes y si ya no son los suyos entonces para catar un poco de paz, serenidad, tranquilidad. Por eso elegido este cuadro; para cuando lleguen a casa cada día después del trabajo durante los 11 meses restantes, puedan rememorar los sentimientos del mes de agosto. Una ventana al mundo, mi mundo. Creo que todo el mundo debería tener un cuadro como este en su casa.
Aunque William Gee no posea la capacidad de crear desde un punto 0, ya que todas sus obras son reproducciones de paisajes y pasajes verdes, la obra, si que tiene la capacidad para recrearla con calor y nostalgia. El artista invoca los 4 elementos, agua (el mar), tierra (montañas y arena), aire (cielo tormenta) y fuego (el sol que se despide). En conjunción, los 4 elementos crean el equilibrio dando una sensación de plenitud a la persona que quiera sumergirse en su interior. Las nubes de tormenta recuerdan a esas tormentas de verano que vienen y se van, este acto de la naturaleza plasmado en el cuadro es el que resucita la nostalgia. El sol que se funde con el horizonte rompe la barrera de lo que sería un cuadro frió y golpea contra el mar para regalarnos el sentimiento de serenidad que buscaríamos en una pintura así. Las montañas, llaman a la perspectiva y nos invitan a pasar unos minutos en estas playas, quedándonos absortos. Creo poder oír las olas del mar después de estar unos minutos mirando el paisaje.
William Gee, se ha topado con la suerte y muy seguramente lo tocó un ángel el día que decidió pintar este cuadro.

Don Berto Rascazzione

En referencia al post titulado «El arte como forma de conocimiento», donde se hablaba de una serie de etapas definidas por Michael J. Parsons. Hacemos aquí una extensión definiendo cuales son estas estapas; se trata de cinco etapas de desarrollo y veremos como cada etapa es más adecuada estéticamente que la anterior. Con la sucesión de etapas, se da una habilidad creciente para ponerse en el punto de vista de los demás, así como desde la primera etapa hasta la quinta hay un desarrollo hacia la autonomía de juicio, valoración, comprensión, etc…

El crecimiento de nuestra naturaleza social es el soporte del desarrollo de nuestra comprensión estética, así como de otros desarrollos cognitivos. Pero centrémonos ahora en las diferentes etapas:

1. ETAPA DE FAVORITISMO

  • Se caracteriza por un placer intuitivo en la mayoría de las pinturas.
  • Se da una arbitraria asociación con el tema.
  • Hay una atracción por lo cromático: se valora más lo más colorido.
  • No se es consciente del punto de vista ajeno.
  • Es igual la forma de representación, se es permisivo:»todo vale». En definitiva, no hay pinturas malas.

2. ETAPA DE BELLEZA Y REALISMO

  • Aparece una idea dominante: el tema, todas las consideraciones se realizarán a partir de esta idea.
  • La pintura es mejor si el tema resulta atractivo y si la representación es realista.
  • Se considera un valor la habilidad y precisión del pintor, la eficacia, la perfección.
  • Se observa un avance respecto al reconocimiento del punto de vista ajeno.
  • La representación se valora en términos que permita el reconocimiento de todos.

3. ETAPA DE EXPRESIVIDAD

  • Se busca en las pinturas la cualidad de la experiencia que pueden producir, en términos de sentimientos y pensamientos que desencadena.
  • Se valora la autenticidad y el interés.
  • Belleza, realismo, estilo, la habilidad del pintor están al servicio de la expresión, con tal de que haya una expresión no importa el tema, ni el estilo…
  • Los valores son: originalidad, creatividad, novedad, profundidad del sentimiento provocado.
  • Hay una nueva conciencia de la interioridad de otros.
  • Se asume el carácter interior y único de la propia experiencia de los demás.

4. ETAPA DE ESTILO Y FORMA

  • Se da una nueva intuición: el significado de un cuadro es una realización más social que individual.
  • Se contempla el concepto de tradición pictórica.
  • Hay un espacio intersubjetivo, las interpretaciones se pueden corregir, ampliar, dialogar…
  • Hay una historia en la interpretación de las obras, se conoce la evolución de los estilos.
  • Hay una serie de aspectos (históricos, públicos…) que tienen que ser integrados e influyen en la interpretación que se extrae del significado.
  • Pone énfasis en como se trata el medio.
  • Avance psicológico: se considera la tradición como un todo, donde caben diferentes interpretaciones individuales, pero que tienen una unidad propia, colectiva.
  • Avance estético: se encuentra significado en el medio, forma, estilo.
  • Se distingue entre el interés literario del tema y los sentimientos que invaden la obra.
  • Se considera útil la crítica experta. Puede guiar al observador o puede contribuir a objetivar el juicio estético.

5. FASE DE AUTONOMIA

  • Culminación. Se cae en la cuenta de que es el individuo el que ha de juzgar los conceptos y valores con los que la tradición constituye las obras de arte.
  • Se ve una evolución en la historia de los estilos: el artista se debe a los estilos anteriores, sobre esta base sube un peldaño, no hay una ruptura sino un progreso.
  • Hay una adaptación a la contemporaneidad; se tienen en cuenta los nuevos materiales, los nuevos problemas de la sociedad, etc…
  • Hay una elaboración personal actualizada de lo social, tanto en el artista como en el sujeto que lo percibe.
  • Se es consciente de la propia experiencia personal y de las influencias que se tienen.
  • Hay un esfuerzo por ver lo universal, y trascender de la propia cultura, rechazo al etnocentrismo.
  • Hay diálogo con la respuesta de los otros.
  • El estilo deviene como algo no firmemente establecido, sino como un algo con propósito, intencionalidad…
  • El arte se considera como un medio para establecer preguntas más que para transmitir verdades.

«Tenemos una necesidad de ponernos en el lugar de otros, tenemos una necesidad de resolver problemas de interacción, en la evolución surge esta capacidad de autoconciencia y de conciencia de los otros puntos de vista. Comprender al otro es comprender lo que soy, debido al proceso de socialización. Para hacer posible la socialización, necesitamos acumular experiencias…Tenemos pues una capacidad tremenda de comprensión de datos, resolver su ambigüedad… la cultura occidental se ha preocupado por ofrecer estas experiencias.» Humphey

Pink

Obra: Vicios, óleo sobre tabla 30×22

Artista: Pablo Bellas

La obra «vicios» de corte hiperrealista representa dos de los grandes vicios de la humanidad; el alcohol y el tabaco, su representación tiene una técnica envidiable, una buena perspectiva, etc…, pero lo que más me llama la atención es que la representación de estos vicios, de forma aislada, como si existieran sin la presencia humana. He buscado en los reflejos de la copa, he buscado sombras, movimientos… pero nada, no hay señal de vida en esta obra.

No puedo concebir los vicios sin sus autores, me imagino una obra con este tema y no encaja con lo que veo, donde está la degradación que causan los vicios, el desorden? la definición de vicio incluye el descontrol, el desconcierto, en cambio esta obra representa todo lo contrario, hay orden, pulcritud, la colilla apagada no ha dañado el mantel con su calor, la copa está limpia y brillante.

Mi conclusión; el alcohol o el tabaco no son la parte sucia de los vicios, aquí se representan tal i como son, está demostrado que el vino es beneficioso si se toma con moderación, y el tabaco se mastica en muchos lugares y no causa enfermedades mortales, porqué los culpamos de nuestras debilidades?

Pink

Obra: La niña del verdugo — Material: Resina — Tamaño 45X45 Cm

Artista: Gonzalo Rodriguez Camacho

Impactante y brutal la obra de Gonzalo Rodríguez, una obra que rompe límites, que nos muestra lo que no deseamos ver, nos abre los ojos a una realidad cruda y directa, sin más dilaciones. Que se puede decir de una obra que habla por sí sola, donde se unen la muerte y la vida, el asesinato y la inocencia, la maldad y la bondad. Dos elementos componen la obra: una silla eléctrica y una niña. La silla, como elemento usado en ejecuciones de condenados a muerte, en cualquier otro contexto podría simbolizar incluso la justicia! Pero aquí no, el artista nos muestra su intención de poner en duda dicha justicia, cuando une la silla a una indefensa niña, en este caso la silla sólo nos hace tener ideas negativas: la muerte, el poder, el asesinato, y la maldad.

Pocas obras nos hablan de una manera tan crítica y madura, afrontando los problemas que existen en este mundo que, por suerte o por desgracia, nos ha tocado vivir.

Pink

« Página anteriorPágina siguiente »