Obra: Fotografía Zen

Artista: Juan Carlos Río

Aquí tenemos nuestra primera crítica de fotografía. Por que muy señores míos, también existen fotografías que alcanzan el apelativo de arte. El artista creador es Juan Carlos Río, un alumno aventajado del maestro zen Dokusho, que utiliza la fotografía como herramienta para transmitir las sensaciones que emana este abstracto concepto (podeis acceder a un pequeño resumen sobre el Zen en la misma página web del autor).

No se puede criticar la paz, no se puede interpretar la imperturbabilidad , se requieren años y años para alcanzar la paz espiritual, pero un instante para notar su presencia. Si la paz esta en la naturaleza. Esta fotografía es la paz, e aquí un instante.

Nada mejor que las mismas palabras que utiliza el autor de la fotografia para presentar la obra:

Cuando realizo una fotografía, intento que sea con plena consciencia del momento. Ese acto, supone tan solo una más de las actividades que como ser humano puedo realizar. Cada instante es entonces «aquí y ahora».
El momento actual se convierte así en el único destello de vida que verdaderamente poseo. Con ello, mi mente permanece atenta en plasmar la verdadera naturaleza de las cosas. La luna es la luna, un charco es un charco; pero una fotografía, como todos nuestros pensamientos, tan solo son el reflejo de la luna en ese charco.
La mente es como la misma naturaleza, siendo su propia esencia libre y pura. Escuchemos el agua de los ríos que fluye entre los guijarros, hierbas, árboles y montañas, prestando atención a las enseñanzas que nos están transmitiendo con su voz.

Fotografía con © Juan Carlos del Río

Don Berto Rascazzione

Obra: «Atado» / «Tied man» – 2002 73 x 65 cm. Oil painting

Artista: M. L. Acosta

Manuel L. Acosta es un pintor con varias vertientes artísticas, es un artista comprometido, un artista de su tiempo, que nos obsequia con las más profundas reflexiones y críticas actuales, así como nos muestra la belleza de su tierra pirenaica, en definitiva, Manuel L. Acosta nos muestra su realidad.

La obra que aquí tratamos «atado»se nos presenta como la figura de un hombre deformada, atada, sin fuerza, rendida ante su destino, que no es otro que la muerte.

La figura aparece tendida sobre una superficie que podría ser madera, con las extremidades encadenadas y en mal estado. Todo su cuerpo tiene una expresión cadavérica, que nos refiere a la muerte, signos de esta misma muerte son la inactividad de la persona, la ausencia de ojos y boca, incluso los pulmones carecen de oxígeno en su interior, dejando desnudas débiles costillas. Nos encontramos ante un cuerpo, que si no está muerto, le falta poco. Lo que aun apreciamos, son los restos de lo que fue, un hombre joven, con una poderosa musculatura, que a causa de las cadenas y el tiempo pierde toda fortaleza convirtiéndose en piel y huesos.

Entre otras referencias como podría ser un asesinato martirizado o la misma pasión de Jesús (la madera sobre la que está podría ser una cruz), esta pintura nos evoca una cuestión metafísica: aparece el poder de la muerte en su vertiente más contradictoria, pues no se trata de una muerte natural sino forzada, una muerte producto del esclavismo, del encadenamiento progresivo, sobre un ser que ha sido atado porque ese era su destino, nos estamos refiriendo a la cuestión del alma, y al encadenamiento que sufre desde su mismo nacimiento, un arraigo a un cuerpo que no hace sino que limitarla. Ésta es y será nuestra tragedia humana.

» La corporeidad es límite del espíritu, y no sólo hace que el ser humano tenga que estar sometido al proceso del desarrollo en el tiempo y en el espacio, sino que también a las necesidades, a las enfermedades, al desgaste, al mal y a la muerte. Éste es el límite mayor que tiene la condición humana por razón de su corporeidad»
Santo Tomás de Aquino

Pink

Entramos por la puerta del edificio, vemos a las personas que nos indican el camino a seguir, pasamos dos salas y, al llegar a la tercera vislumbramos un cuadro, a primera vista no es más que un conjunto de colores graciosamente mezclados, pero no nos dejamos llevar por esa fácil interpretación y nuestro instinto nos obliga a mirar detenidamente el objeto rectangular buscando su misterioso entresijo, o sea, el motivo por el cual ese objeto se encuentra colgado en la pared de aquel lugar, unas veces resolveremos el enigma, otras no, pero el influjo de la droga que experimentamos nos seguirá atrayendo a esos lugares llamados museos.

Quien nunca ha probado una droga no puede entender lo que se siente bajo sus efectos.

Los museos son edificios extraños y con cierto misterio que albergan en su interior obras de arte. No quiero dar protagonismo al museo, ya se ha hablado de ellos en extenso y no creo que tengan mayor importancia que la que tiene el papel de regalo. Es trivial que lo importante son las obras de arte, pero su importancia va más allá de los edificios y del arte, las obras de arte tienen importancia en el conjunto de lo que vivimos, en nuestras experiencias. Quiero expresarme con claridad sobre este tema, porque resulta muy fácil decir que el arte es importante en nuestras vidas sin dar una razón convincente. Yo quiero darla.

Nacemos en un mundo que vamos explorando poco a poco, y de ese mundo oimos hablar ciertos lugares, ciertos parajes que querríamos visitar porque, son maravillas del mundo que queremos ver con nuestros propios ojos, quien no se ha propuesto alguna vez visitar Egipto? lo mismo es el arte: UNA MARAVILLA DEL MUNDO. Al igual que los lugares que hay para visitar, las obras de arte también abundan, pero nosotros investigaremos y elegiremos las maravillas del mundo que queremos ver.

Existen maravillas del mundo (en referencia al arte) de reconocida existencia como puede ser un cuadro de Vincent van Gogh, se puede estar en mayor o en menor acuerdo con su reconocimiento. A mi entender, es una de esas maravillas que os he comentado y he de decir, que a parte de la utilización de los colores, la combinación de éstos y otros aspectos técnicos, lo que maravilla en sus cuadros es la fuerza que se ve en las pinceladas, la pasión que transmite y sobretodo la luz que sale del cuadro como si se pudiera producir luz con la pintura, un fenómeno que convierte sus cuadros en magia.

El arte es una autopista directa a la imaginación y al desarrollo humano. Algunas obras, son atajos que nos permiten poder avanzar hacia la realidad absoluta sin cegarnos y abandonar por unos instantes nuestra limitada realidad relativa.

Pink

Obra: El niño — Tamaño desconocido

Artista: Mariano Sánchez Sánchez

Este cuadro es el retrato de un niño de 5 años. Simplemente, no hay más.

Pensar y creer en la frase anterior, sería lo sencillo y fácil de deducir. Pero no creen ustedes que cualquier obra merece ser escavada e investigada, para así descubrir los entresijos que el subconsciente del artista ha plasmado en su obra? Yo creo que sí.

El artista Mariano, quiere mostrarnos el recuerdo de la inocencia, el volver atrás mediante el uso de la memoria. Gracias a la visión de lo que fuimos y al recuerdo de lo que en mente perdura, la sonrisa pícara del niño desenreda el cúmulo de condiciones que se requieren para ser perdonado ante travesuras típicas de edades donde aun no se comprenden las reglas del juego.

Mariano rellena el fondo de la obra con trazos grandes, recreando el desenfoque de la cámara ante el enfoque del retrato. Las proporciones de la figura son correctas, viéndose el máximo esfuerzo de recreación en la expresión de la cara, la cual nos desvela todos los enigmas del mensaje oculto del artista.

Don Berto Rascazzione

Aunque he dado por concluido mi presentación de lo que llamo «Pintura de las Mesetas» no se crea el lector que todo castellano está irrevocablemente condenado a reflejar su medio geográfico como único modo de expresión estética. Buen ejemplo de ello es la pintura de Álvaro Reja.

Este es un autor que, desde las parameras castellanas de Palencia, dirige su mirada no a las llanuras infinitas de las mieses que en este mes ya comienzan a amarillear, sino a sus propios mundos interiores, también infinitos, pero poblados de fábulas y personajes míticos, tal como si fuesen los pequeños geniecillos que en la Feria Chica pululan para encanto de los más niños.
Le traigo aquí, porque le admiro, pero le admiro porque encuentro en él dos cosas que suelen ser escasa en los pintores. Primero, su profunda maestría con el color. Son sus obras de una limpieza absoluta donde el óleo, -trasparente la mitad de las veces- , produce el gran espectáculo de un arco iris capturado sobre el lienzo a la primera, sin dudas ni correcciones. Como las fotografías hablan por sí mismas, le pido a usted que las mire con detenimiento, pues su contemplación es la mejor de las explicaciones. Evidentemente estamos ante un autor dotado de un don especial.
Y, segundo, porque siendo una pintura que sale de su propia alma no recurre al «desgarro» para expresarse. Es frecuente que los artistas que pintan no la realidad externa, sino su propio mundo interior, usen el fácil expediente de lo trágico para dar peso a su obra y captar la atención del público. Todos sabemos que la tragedia «vale» y «vende». Pero esto es una trampa, uno de los recursos con que la mediocridad se disfraza, respondiendo al tópico erróneo de creer que bucear en la propia intimidad sólo puede dar como resultado el desgarro y el dolor. ¿No puede encontrarse quietud y serenidad en los pliegues de la propia alma y expresarlos tan bellamente que resulten ser una obra embelesadora y grata?. Por eso Álvaro Reja no recurre a este artificio.

Álvaro Reja mira dentro; pero no encuentra dolor, ni conflictos, ni terribles contradicciones .
El mundo interno de Álvaro Reja está poblado de seres frágiles que desde su hermetismo nos hablan de una realidad poblada de sueños y recuerdos, quizá de la infancia, pero que afloran vestidos por las categorías del arte, silenciosamente, por amor y gracia de unos pinceles maestros para los que el color no es ningún problema y el dibujo es algo tan natural como para los pájaros el aire.
Y así, la unión de la maestría y su pequeño cosmos totalmente personal, hacen de su obra algo perfectamente cuajado, algo maduro y original… precisamente porque no tiene ninguna voluntad de romper moldes.
Esta última cuestión nos lleva al sempiterno problema de qué sea o deba de ser la obra de arte; problema que en estos tiempos se encuentra agitado por todas las corrientes del arte… esa batalla entre arte de vanguardias, arte contemporáneo, arte coetáneo. La respuesta de Reja es sencilla: pintar es pintar. Sin prejuicios.

…Quizá nos encontremos ante un clásico. Pero eso el tiempo lo dirá.

Joaquín Belmonte

Procuraré opinar sobre Picasso con la cabeza fría intentando alejarme de la excesiva promoción de la que goza actualmente. Pregunto ¿por qué los medios no hablan tanto o por decirlo de alguna manera, siquiera algo más de Gutierrez Solana, de Isidre Nonell, o Agustín Riancho? Seguro que los pintores jóvenes, igual ni saben el nombre de estos otros artistas (no teneis la culpa vosotros chavales).

Picasso es el artista que pudo ser un genio y no lo fue, o como dice Albert Boadella: Si Picasso no se hubiese dejado influir por la intelectualidad de París, hubiese llegado a ser un grandísimo artista.

Presento este autorretrato porque con 15 años ya estaba bien plantada la semilla que debiera haber germinado. Observo todas las etapas de Picasso y me encuentro que en prácticamente todas, tiene influencias de Nonell, Anglada Camarasa, Ramon Casas, Braque en el cubismo. Que tenga esas influencias no tiene importancia, todos las tenemos y desde luego Picasso no ha sido un imitador. Pese a sus influencias, tiene su sello propio, pero por favor que no olviden los críticos e historiadores del arte de quién es mamo Picasso; y también le den tanta rondalla al genio, que es como ahora le llaman. No nos vamos a engañar, detrás de la hipervaloracion de Picasso hay intereses políticos, económicos y de muchas otras clases. Esto lo que esta haciendo es deformar la imagen real del artista, y haciendo que el publico vea sus obras con una visión contaminada por los medios de comunicación. No hay peor veneno para el arte que la intromisión de la política.

En las primeras épocas de Picasso veo un excelente pintor, con su sello pero no un genio. ¿Piensas ustedes que tengo intención de quitarle meritos a Picasso? Creo que no lo estoy haciendo porque aunque a un pintor le digas que es un excelente artista pero no un genio, tampoco es echarle al calabozo. Un genio requiere de siglos incluso para su canonización, llamar a un pintor genio es cosa muy seria y hoy en día, muchos críticos sueltan esa palabra por la boca con mucha ligereza Genios para mi serán si escojo por épocas: Giotto, Van Eyck, Miguel Angel, Rembrat , Monet , Cezzane. Ya les digo que eso requiere tiempo. ¿Hasta que época fue Picasso sincero pintando y a partir de que momento empieza a producir casi obras en serie? Miren ustedes, el número de obras de Picasso pues sino me equivoco, igual 3000. Es imposible hacer una obra con diligencia, si uno empieza a correr con los pinceles y a producir exageradamente. Picasso se endiosó de fama y aparco la humildad con la que debía haber pintado. Por esa razón advierto muchas desigualdades en su obra. Picasso en varias de sus etapas fue un excelente pintor, como lo fueron: Beruete, Juan de Echevarria, Kokoscha, Boccioni, etc. Lo que jamás se debe hacer es encumbrar a un artista por intereses políticos, de imagen y económicos.

Sin ir mas lejos el caso de Dalí, un gran pintor que fue lo suficientemente listo para convencer a la gente que el mismo era un genio ¡NI EL MISMO SE LO CREIA¡. Tal como ha corrido este pasado siglo. QUE REMEDIO LE QUEDO A DALÍ que adaptarse a los tiempos reinantes. Que sano sería para la creación pictórica, fumigar toda esta contaminación intrusa que esta sufriendo el artista.
Señores, como esto siga así, mejor que presentar el artista en una sala de exposiciones, será presentarlo en Hotel Glamour, Crónica Marcianas, Tómbola, o quien sabe si en Cine de Barrio ¡Santo Dios, cuantos sitios hay ya para tal menester¡

Guillermo Grandal Alonso

Título: Obelisc (Obelisco)
Material: Acero cortén.
Tamaño: 33 m de alto.
Fecha: 1996

Ubicación: Rotonda de la Ronda Nord con Avenida Francesc Macià. Sant Cugat del Vallès.
Artista: Riera i Aragó
Obelisc está funcionando perfectamente como punto visual longitudinal, por un lado como conclusión de la avenida Francesc Macià, y por otro como punto intermedio de la Ronda Nord, ya que el conductor cuando se encuentra con esta potente referencia visual indicando la situación del barrio de Coll Favà., ya que una de las tres aristas de la obra esta orientada hacia dicho barrio. La obra aun su estilización ocupa un espacio considerable. Sus raíces se hunden muy adentro de la tierra, ocupando toda la superficie de la rotonda, como segura base de su vuelo, sus formas poco a poco despegan para conquistar el espacio. Su color terroso acentúa su vinculación con la tierra, la más antigua y primigenia, mientras que su forma juega con el aire y el Sol, ya que como obelisco, su sombra es definida y clara y nos apunta las horas que la naturaleza nos indica. Tres de los elementos básicos juegan con la escultura, la tierra, el aire y el fuego, simbolizado con la sombra que su luz imprime.

Las fotografias y el texto de este artículo tienen © Andrés Dengra Carayol y solo pueden utilizarse con su previa aprovación.

Andrés Dengra Carayol

Si hablo de Van Gogh, no pretendo teorizar. Simplemente como pintor que soy, voy a opinar sobre lo que me apasiona de este artista. He escogido este cuadro deliberadamente en donde no hay atisbo de las patologías que el tenía. Me refiero a que mucha gente quiere rebuscar en sus cuadros, neurosis y esquizofrenias. A mi entender las patologías no activan la creatividad; lo que hacen es andar molestando a los artistas que tengan la mala suerte de tenerlas como le pasó a nuestro artista.
Este cuadro es un fragmento de un cuadro que se haya en la National Gallery de Londres. A mi siempre me ha entusiasmado porque no es mas que un fragmento de prado verde donde no hay horizonte, un poco de verde con algunas flores. Debo hacer hincapié en que la imagen escaneada no da el tono real del cuadro. Cuando lo vi por primera vez, pensé: que bien están armonizados esos colores puros, son potentes pero perfectamente modulados, ha metido en unos lugares azules en otros, varias gamas de verde. ¡Que difícil es ese color dios mío¡ Vosotros colegas sabéis cuánto nos cuesta dar con el tono acertado de verde en el cuadro, para que no nos salga un verde que parezca un cromo,un verde chillón , sucio, etc. Vosotros lo sabéis de sobra. La falta de horizonte no asfixia la composición; Vincent Van Gogh poseía una retina tan genial y tan distinta de la de Sisley , Monet , Cezzane

Una de las cosas mas difíciles que hay cuando se pinta impresionismo o cualquier otro estilo en el que se trabaja con colores puros, es lograr esa retina que tenga tu propio sello. El sistema de conjugación de los colores puros en Van Gogh y Monet, es totalmente distinto pero igual de sublime en los 2 artistas. Saber meter un violeta bien metido al lado de un verde, tiene la dificultad de qué intensidad tonal has de darle a ese violeta para que conjugue bien con ese verde. Hay que andar calibrando en la paleta a cada momento para ver si uno acierta y no caemos en el peligro de siempre: EL CROMO. Sí, esa palabra maldita es a la que todos los pintores nos aterroriza al emplear gamas altas de color. Allí es donde Van Gogh demostró su genio. Ni un verde de los que mete esta fuera de su sitio, ni un azul, todo esta ordenado en una sinfonía de colores maravillosa.

Ahora me empiezo a preguntar el porque de ciertas cosas que se dicen de Van Gogh, de que si era un artista de pocos recursos técnicos, que si dibujaba mal… No dibujaría como Leonardo o Rafael, eso seguro, pero ya solo con haber logrado esa sinfonía de colores que él supo alcanzar porque lo llevaba dentro, ya solo por eso merece estar entre los grandes. Éso, colegas pintores, también es oficio o técnica o como se quiera llamar, eso es una empresa harto difícil. Hoy en día mucha gente cree que un pintor que tiene alto nivel técnico es aquel que hace unos difuminados virgueros y unos acabados muy detallistas. En mi opinión es un error, que esta llevando a confusión a muchos jóvenes pintores. No es mas difícil una cosa que otra, son caminos igual de difíciles pero distintos en el proceso creativo. Los dos tienen la misma validez si están bien hechos. Ni mejor ni peor uno que otro, sencillamente la ruta elegida por el artista transita por autopistas lejanas una de otra.

Es cierto que Van Gogh en varios de sus cuadros hay desdibujos, pero también es cierto que hay gran cantidad de retratos en los que la construcción y modelado esta correcto. Puede ser que no fuese un dibujante excelso como Rubens. Indudablemente, lo suyo era el color. Escogió el camino en el que él creía; además hemos de tener encuenta que Van Gogh empezó muy tarde a pintar y murió a los treinta y tantos años. Esa edad para un pintor es todavía la primavera artística de la vida. El proceso de un pintor es largísimo y a mi entender demasiado dio de si para lo joven que murió. Quizá si Van Gogh se hubiese empeñado en ejercitarse mucho más en la disciplina del dibujo, hubiese sido un pintor distinto.

Os voy a contar una cosa: dar bien el color en pintura es igual de difícil, que saber dibujar con maestría.

Cuando me dicen que un pintor tiene mucha técnica pero poca creatividad, me suena extraño. El cuadro es un todo. Eso que llaman técnica a lo sumo seria la capacidad de reproducir la realidad a mano. Pero eso que llaman técnica, no está insertada el corazón y el alma, lo que pintes no estimulará a nadie e incluso puede llegar a aburrir al que lo ve. Ojo, no estoy criticando el hiperrealismo. Puede que alguno este pensando esto por lo que he dicho. Valen todos los caminos que quieras recorrer, pero con sensibilidad, con sentimiento, si todos los pintores pintasen el mismo estilo, seria muy aburrido.

El hecho de que el arte de hoy en día sea fragmentario, es decir que un tipo de estilo no defina en su totalidad lo que se esta haciendo, hace que el panorama sea mas ameno y
la gente pueda saciar su vista con mas variedad.

Desde aquí quiero hacer una advertencia a ciertos críticos empeñados en catequizar sobre lo que es arte. Porque una nueva conciencia está apareciendo.

NOTA: A ver si dejamos de frivolizar a Van Gogh; en demasía ya se ha encargado la prensa y las películas sobre su vida de hacerlo. Eso seguro que les vendrá bien a Shotebys y Cristies, eso ya no es una opinión subjetiva, tengo todas las de estar seguro por el panorama que hay por las subastas que es muy objetivo lo que he dicho.


Guillermo Grandal Alonso

Obra: Serie de Araucária — tamaño variable
Coré Etuba
Luz dos Pinhais
Clarissa Kalfelz es una mujer inteligente, con carácter y sobretodo con personalidad. Personalmente no la conozco, pero por el mero hecho de ver sus obras, las cuales hablan muy bien de ella, ya se que lo es. Clarissa ha querido desmarcarse del arte y artesanía rural que tanto abunda por Sudamérica. Ese arte donde abundan los vivos colores y suele ser figurativo.
Al realizar esta serie de obras en blanco y sombra, ya se oye el grito del artista que clama la diferenciación en un país donde los cuadros se pintan para los extranjeros que se encuentran de vacaciones. Estos se venden como churros y pasa de ser arte a ser cromos «Made in Brasil» esparcidos por todo el mundo. La serie Araucària mediante la sencillez de las formas, nos introduce en un mundo de indígenas, sol y selva. Con su historia, su pasado, presente y futuro.
Don Berto Rascazzione

Obra: El camino – Pintura Realista – Tamaño desconocido

Artista: Manuel Hurtado

Navegando por los foros de arte de Terra, encontré un «post» de un artista que nos invitaba a visitar su página web. La cual exponía un conjunto de muy buenas pinturas. Encontré fascinante la pintura «hombre del saco«, que con su hipermelancolía me absorbió durante minutos, el arte de este artista. Le envié un e-mail y le pedí si podía escribir sobre alguna de sus obras y que me enviara la obra que creía que era la más representativa de las que havia creado. Me envió la obra que arriba podéis ver.
Un paisaje que da fuerza al sentido y aviva la llama de la vida. Porque este cuadro es como el destino, el cual muchas veces éste nos concede el don de poder elegir que camino debemos tomar. Sabemos que el final del trayecto siempre es el mismo, pero, porque no escoger nosotros mismos que camino debemos tomar para llegar hasta allí. La ramificación del sendero, el estrato del camino, los campos no áridos sino verdes y otros cultivados y justo debajo del horizonte se alcanza a ver las montañas (Esas montañas que a veces encontramos jugando el rol del obstáculo en nuestro camino de la vida). Todo eso lo podemos ver antes de iniciar la marcha, gracias a Manuel Hurtado, el cual con gran maestría e intensidad ha pintado el inicio del destino cual mil caminos abriéndose a extensos pastos, campos, montes y ese pueblecito que queda escondido detrás de la primera meseta.

El trazo del pincel es exquisito y el hiperrealismo del cuadro ha llegado a crear pequeñas discusiones entre mis contertulianos, diciendo algunos (pocos entendidos ellos) que eso era una fotografía y no un conglomerado de óleo.

Allí en el horizonte, se reúnen todos los caminos; Salud amigos!

Don Berto Rascazzione

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