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Procuraré opinar sobre Picasso con la cabeza fría intentando alejarme de la excesiva promoción de la que goza actualmente. Pregunto ¿por qué los medios no hablan tanto o por decirlo de alguna manera, siquiera algo más de Gutierrez Solana, de Isidre Nonell, o Agustín Riancho? Seguro que los pintores jóvenes, igual ni saben el nombre de estos otros artistas (no teneis la culpa vosotros chavales).

Picasso es el artista que pudo ser un genio y no lo fue, o como dice Albert Boadella: Si Picasso no se hubiese dejado influir por la intelectualidad de París, hubiese llegado a ser un grandísimo artista.

Presento este autorretrato porque con 15 años ya estaba bien plantada la semilla que debiera haber germinado. Observo todas las etapas de Picasso y me encuentro que en prácticamente todas, tiene influencias de Nonell, Anglada Camarasa, Ramon Casas, Braque en el cubismo. Que tenga esas influencias no tiene importancia, todos las tenemos y desde luego Picasso no ha sido un imitador. Pese a sus influencias, tiene su sello propio, pero por favor que no olviden los críticos e historiadores del arte de quién es mamo Picasso; y también le den tanta rondalla al genio, que es como ahora le llaman. No nos vamos a engañar, detrás de la hipervaloracion de Picasso hay intereses políticos, económicos y de muchas otras clases. Esto lo que esta haciendo es deformar la imagen real del artista, y haciendo que el publico vea sus obras con una visión contaminada por los medios de comunicación. No hay peor veneno para el arte que la intromisión de la política.

En las primeras épocas de Picasso veo un excelente pintor, con su sello pero no un genio. ¿Piensas ustedes que tengo intención de quitarle meritos a Picasso? Creo que no lo estoy haciendo porque aunque a un pintor le digas que es un excelente artista pero no un genio, tampoco es echarle al calabozo. Un genio requiere de siglos incluso para su canonización, llamar a un pintor genio es cosa muy seria y hoy en día, muchos críticos sueltan esa palabra por la boca con mucha ligereza Genios para mi serán si escojo por épocas: Giotto, Van Eyck, Miguel Angel, Rembrat , Monet , Cezzane. Ya les digo que eso requiere tiempo. ¿Hasta que época fue Picasso sincero pintando y a partir de que momento empieza a producir casi obras en serie? Miren ustedes, el número de obras de Picasso pues sino me equivoco, igual 3000. Es imposible hacer una obra con diligencia, si uno empieza a correr con los pinceles y a producir exageradamente. Picasso se endiosó de fama y aparco la humildad con la que debía haber pintado. Por esa razón advierto muchas desigualdades en su obra. Picasso en varias de sus etapas fue un excelente pintor, como lo fueron: Beruete, Juan de Echevarria, Kokoscha, Boccioni, etc. Lo que jamás se debe hacer es encumbrar a un artista por intereses políticos, de imagen y económicos.

Sin ir mas lejos el caso de Dalí, un gran pintor que fue lo suficientemente listo para convencer a la gente que el mismo era un genio ¡NI EL MISMO SE LO CREIA¡. Tal como ha corrido este pasado siglo. QUE REMEDIO LE QUEDO A DALÍ que adaptarse a los tiempos reinantes. Que sano sería para la creación pictórica, fumigar toda esta contaminación intrusa que esta sufriendo el artista.
Señores, como esto siga así, mejor que presentar el artista en una sala de exposiciones, será presentarlo en Hotel Glamour, Crónica Marcianas, Tómbola, o quien sabe si en Cine de Barrio ¡Santo Dios, cuantos sitios hay ya para tal menester¡

Guillermo Grandal Alonso

Si hablo de Van Gogh, no pretendo teorizar. Simplemente como pintor que soy, voy a opinar sobre lo que me apasiona de este artista. He escogido este cuadro deliberadamente en donde no hay atisbo de las patologías que el tenía. Me refiero a que mucha gente quiere rebuscar en sus cuadros, neurosis y esquizofrenias. A mi entender las patologías no activan la creatividad; lo que hacen es andar molestando a los artistas que tengan la mala suerte de tenerlas como le pasó a nuestro artista.
Este cuadro es un fragmento de un cuadro que se haya en la National Gallery de Londres. A mi siempre me ha entusiasmado porque no es mas que un fragmento de prado verde donde no hay horizonte, un poco de verde con algunas flores. Debo hacer hincapié en que la imagen escaneada no da el tono real del cuadro. Cuando lo vi por primera vez, pensé: que bien están armonizados esos colores puros, son potentes pero perfectamente modulados, ha metido en unos lugares azules en otros, varias gamas de verde. ¡Que difícil es ese color dios mío¡ Vosotros colegas sabéis cuánto nos cuesta dar con el tono acertado de verde en el cuadro, para que no nos salga un verde que parezca un cromo,un verde chillón , sucio, etc. Vosotros lo sabéis de sobra. La falta de horizonte no asfixia la composición; Vincent Van Gogh poseía una retina tan genial y tan distinta de la de Sisley , Monet , Cezzane

Una de las cosas mas difíciles que hay cuando se pinta impresionismo o cualquier otro estilo en el que se trabaja con colores puros, es lograr esa retina que tenga tu propio sello. El sistema de conjugación de los colores puros en Van Gogh y Monet, es totalmente distinto pero igual de sublime en los 2 artistas. Saber meter un violeta bien metido al lado de un verde, tiene la dificultad de qué intensidad tonal has de darle a ese violeta para que conjugue bien con ese verde. Hay que andar calibrando en la paleta a cada momento para ver si uno acierta y no caemos en el peligro de siempre: EL CROMO. Sí, esa palabra maldita es a la que todos los pintores nos aterroriza al emplear gamas altas de color. Allí es donde Van Gogh demostró su genio. Ni un verde de los que mete esta fuera de su sitio, ni un azul, todo esta ordenado en una sinfonía de colores maravillosa.

Ahora me empiezo a preguntar el porque de ciertas cosas que se dicen de Van Gogh, de que si era un artista de pocos recursos técnicos, que si dibujaba mal… No dibujaría como Leonardo o Rafael, eso seguro, pero ya solo con haber logrado esa sinfonía de colores que él supo alcanzar porque lo llevaba dentro, ya solo por eso merece estar entre los grandes. Éso, colegas pintores, también es oficio o técnica o como se quiera llamar, eso es una empresa harto difícil. Hoy en día mucha gente cree que un pintor que tiene alto nivel técnico es aquel que hace unos difuminados virgueros y unos acabados muy detallistas. En mi opinión es un error, que esta llevando a confusión a muchos jóvenes pintores. No es mas difícil una cosa que otra, son caminos igual de difíciles pero distintos en el proceso creativo. Los dos tienen la misma validez si están bien hechos. Ni mejor ni peor uno que otro, sencillamente la ruta elegida por el artista transita por autopistas lejanas una de otra.

Es cierto que Van Gogh en varios de sus cuadros hay desdibujos, pero también es cierto que hay gran cantidad de retratos en los que la construcción y modelado esta correcto. Puede ser que no fuese un dibujante excelso como Rubens. Indudablemente, lo suyo era el color. Escogió el camino en el que él creía; además hemos de tener encuenta que Van Gogh empezó muy tarde a pintar y murió a los treinta y tantos años. Esa edad para un pintor es todavía la primavera artística de la vida. El proceso de un pintor es largísimo y a mi entender demasiado dio de si para lo joven que murió. Quizá si Van Gogh se hubiese empeñado en ejercitarse mucho más en la disciplina del dibujo, hubiese sido un pintor distinto.

Os voy a contar una cosa: dar bien el color en pintura es igual de difícil, que saber dibujar con maestría.

Cuando me dicen que un pintor tiene mucha técnica pero poca creatividad, me suena extraño. El cuadro es un todo. Eso que llaman técnica a lo sumo seria la capacidad de reproducir la realidad a mano. Pero eso que llaman técnica, no está insertada el corazón y el alma, lo que pintes no estimulará a nadie e incluso puede llegar a aburrir al que lo ve. Ojo, no estoy criticando el hiperrealismo. Puede que alguno este pensando esto por lo que he dicho. Valen todos los caminos que quieras recorrer, pero con sensibilidad, con sentimiento, si todos los pintores pintasen el mismo estilo, seria muy aburrido.

El hecho de que el arte de hoy en día sea fragmentario, es decir que un tipo de estilo no defina en su totalidad lo que se esta haciendo, hace que el panorama sea mas ameno y
la gente pueda saciar su vista con mas variedad.

Desde aquí quiero hacer una advertencia a ciertos críticos empeñados en catequizar sobre lo que es arte. Porque una nueva conciencia está apareciendo.

NOTA: A ver si dejamos de frivolizar a Van Gogh; en demasía ya se ha encargado la prensa y las películas sobre su vida de hacerlo. Eso seguro que les vendrá bien a Shotebys y Cristies, eso ya no es una opinión subjetiva, tengo todas las de estar seguro por el panorama que hay por las subastas que es muy objetivo lo que he dicho.


Guillermo Grandal Alonso

Como todos sabemos, una obra de arte tiene varios modos de ser interpretada, podemos fijarnos en la técnica, en el contenido, en el estilo, etc… hay infinitas formas de verla. Cuestiones en torno a la teoría freudiana como el inconsciente, los actos fallidos, el chiste, los sueños, entre otros conceptos estudiados por el psicoanálisis, nos ofrecen un nuevo panorama para explorar el arte.
Esta relación se hace evidente al nombrar autores como Paul Delvaux, Joan Miró, Pablo Picasso, Marcel Duchamp o René Magritte, ya que vemos reflejados los conceptos psicoanalíticos muy claramente.


“La Reproduction Interdite” Rene Magritte (1939) El mismo Magritte decia en una carta a Paul colinet (1957): “..cualquiera que este mirando el cuadro esta representando lo que el es.”

Pero fue precisamente Sigmund Freud el primer psicoanalista en aplicar el psicoanálisis al arte, analizó la obra de Leonardo da Vinci, de esta obra en que aparece la figura de Leonardo parcialmente fusionada con la de la Virgen y Santa Ana, supuso que el artista había dibujado a sus dos madres, su madre biológica y su madrastra. Esta disertación psicoanalítica temprana sobre la pérdida de los padres y la adopción cambiaron la manera en la que se interpreta el arte.


“Santa Ana, la Virgen y el Niño”Leonardo da Vinci (hacia 1502-1516)

A partir de aquí muchas han sido las aportaciones del psicoanálisis a la interpretación de las obras de arte, tanto en relación a la personalidad del autor, como a su plasmación del inconsciente, la interpretación de los sueños, la proyección (como en el ejemplo de Magritte), la defensa, la negación, etc…. Otro ejemplo lo representa Salvador Dalí, que hace de sus sueños obras de arte, en su obra vemos representado su más profundo subconsciente, los sueños como tales. Según Sigmund Freud el sueño es un acto psíquico importante y completo, y su fuerza impulsora es siempre un deseo por realizar. Su aspecto, en el que nos es imposible reconocer tal deseo, y sus muchas singularidades y absurdidades proceden de:

1) la influencia de la censura psíquica que ha actuado sobre él durante su formación, pero a más de la necesidad de escapar a esta censura, han colaborado en su formación,
2) una necesidad de condensar el material psíquico,
3) un cuidado de que fuera posible su representación por medio de imágenes sensoriales y,
4) además -aunque no regularmente-, el cuidado de que el producto onírico total presentase un aspecto racional e inteligente.

Salvador Dalí
Pink

Qué tiene que decir el arte sobre la guerra?

Nos preguntamos si pertenece a una misma raza, la persona capaz de crear las más maravillosas obras de arte y aquella capaz de matar y destruir por el afán de posesión. Lamentablemente, la respuesta es sí. Ambas facetas son humanas y hemos de aceptar que por más cualidades divinas que podamos poseer, también poseemos las más despreciables e indignas que podamos imaginar.

Se ha demostrado que no somos tan racionales como pensábamos y que nuestros instintos han vencido a nuestra razón. Hemos vivido mucho tiempo engañados creyendo en nuestra propia raza: la educación, la cultura, el mismo arte…. son aspectos humanos que han quedado atrás ante la violencia y la fuerza bruta, el arte no es más que una máscara, es nuestra piel de cordero, pero ay! qua hay detrás! egoismo, violencia, guerra! Qué fiero lobo se esconde tras la piel de cordero! Qué terrible puede llegar a ser el ser humano!

Aquello que llamamos Humanismo, la fé en el ser humano, ha fracasado. No podemos confiar más en la bondad humana, en el raciocinio, pues demostrado está que es un fracaso!

Pink

Desde siempre la presencia de los cielos en la pintura del paisaje ha servido de mero acompañamiento. Lo sustancial es la tierra, son las montañas, o la vegetación. Este hecho lo constatamos fácilmente sólo con preguntarnos cuanto espacio se deja habitualmente para pintar lo “que no es sólido”; y la realidad resulta convincente: dos tercios del cuadro “se encuentran ocupados”, y, como mucho, una tercera parte sirve de “acompañamiento”; pero hay más, este espacio vacío, los cielos, muchas de las veces únicamente sirve para acentuar y complementar la perspectiva del paisaje, que es lo mismo que decir que cumple una función secundaria, al servicio del verdadero tema.
Sin embargo en algunos pintores castellanos la presencia del cielo tiene peso específico. No es que pinten sólo cielos, pero sí que no es mero acompañamiento, resultando ser su fuerza, su intensidad, y su misterio el motivo principal de la obra. La explicación de este fenómeno es sencilla: Castilla, cualquiera de las dos Castillas es, en sus mesetas, tierra abierta y franca, donde el espectador encuentra ante sí una infinita línea. Puede que entonces incline la mirada hacía abajo, y el espectáculo serán los labrantíos; pero si levanta la vista, irremediablemente no encontrará mas que cielo: cielo profundo, limpio, majestuoso.

También puede ocurrir, y ocurre, que en momentos singulares las luces del amanecer o de la puesta se encuentren en la faena divina de trasfigurar toda la realidad envolviéndola con sus claridades, o, si hay suerte, que una infinita tormenta tome el relevo con sus negros, sus rojos o sus verdes, cubriendo todo, desde oriente a occidente, tal cual si fuese una declaración metafísica sobre estas tierras trigueras de “pan llevar”. En esos momentos el espectáculo solamente es el cielo.

Y el pintor pinta el cielo.

Pero al trasladarlo al lienzo, al hacerlo, lo que hace es reflejar la Meseta. Pero hay más. En los profundos días de febrero, cuando el sol perfora la atmósfera tras la lluvia, los cielos abren el camino vertical de la luz dando extraños amarillos que tiñen todo el campo de una manera no sé si misteriosa, pero ciertamente con una rara magia que, envolviendo la realidad, hacen de ellos, por unas horas, el milagro de color. Y esto choca con los tópicos de una tierra dura, agostada por la luz del verano… y horizontal. Ni lo uno ni lo otro.

Y es que en este instante castilla es un paisaje vertical., quizá porque la debilidad del sol haga que su luz sea más como columnas de cristal que cuando siendo el feroz señor de los agostos aplica su ley aplastando estas pajeras de cereal. Sea como sea, tanto en invierno como en verano los cielos de las Castillas, son, para algunos pintores, Castilla en estado puro.

Es por ello que en la pintura de la Meseta, de cuando en cuando aparezcan pintores cuyo tema central sean los cielos, casi casi olvidándose de todo lo demás, dándonos esta otra Castilla, despegada del terreno, poco asida a las anécdotas, de algún modo, atemporal; que roza, sin pretenderlo, la abstracción.

Termino aquí este breve viaje por la pintura de unos pocos autores mesetarios. He pretendido únicamente llamar tu atención, amigo mío, sobre algunos aspectos de este arte poco conocido o, quizá mejor, conocido pero poco percibido en su singularidad, si lo comparamos con toda la producción artística que se da en nuestra España. Supongo que es su destino el que va unido al de las tierras que refleja, tan extensas como irrelevantes en el imaginario nacional.
Fin de camino. Quisiera que esta compañía, por las llanuras de mi tierra, te haya resultado grata. De cualquiera de las maneras, gracias por leerme.
Otra vez, gracias.

Joaquín Belmonte

Nos podríamos remontar a Marcel Duchamp y los dadaístas de principios del siglo XX, pero no es hasta después de la Segunda Guerra Mundial cuando se percibe una ruptura clara con el concepto de arte convencional. Primero se abandonó la composición pictórica convencional y las referencias a los ámbitos académicos por los artistas informales, artistas como Pollock de EEUU, Mathieu de Francia, Wols de Alemania y Appel y Jorn del Cobra Group, artistas que, al igual que Duchamp, no sacrificaron el valor sublime de la obra de arte.


Jackson Pollock, Number 8 (1949)

Al mismo tiempo surgía la performance paralelamente en artistas de diferentes ámbitos, John Cage libera el arte de sus preceptos ancestrales con su teoría sobre los “procesos al azar” que combina la filosofía occidental con la fenomenología oriental. Cage introduce el procedimiento del azar en el arte como técnica para distanciar el arte del egocentrismo característico de la producción estética desde el Renacimiento. En Japón surge el Gutai Group (1954), en Francia George Mathieu y poco más tarde Yves Klein, en Nueva York es Allan Kaprow quien introduce el término happening (1959).

John Cage

George Matieu

En este momento se trataba de desechar los materiales y los métodos convencionales que en sí mismos estaban cargados de características culturales, sociales y políticas burguesas. Intentaban romper el exaltado valor del objeto de arte y poner el concepto de creatividad en contacto directo con la realidad. A finales de la década de los 50 y principios de los 60 surgen diferentes grupos creadores de nuevas ideas y soluciones en sus obras como American Pop y Brithish Pop, Les Nouveaux Réalistes, La Figuration Narrative y Fluxus que culminaron entre 1967 y 1972 en un numeroso grupo que creo el arte conceptual.

Cartel del 4 Concierto Fluxus, Düsseldorf (1963)

Andy Warhol, CampbellsSoup, (1962)

El arte conceptual como síntesis de las ideas y reflejos artísticos procedentes de los movimientos antes mencionados, indefinible en su estilo, material o forma, tiene que ver sobre todo con ideas y significados. Se trata de un arte que dialoga porque está vivo, un arte actual porque se nutre de los acontecimientos sociales, un arte activo porque te obliga a participar y a opinar, en definitiva, un arte que no deja a nadie impasible.

“La finalidad del arte es dar cuerpo a la esencia secreta de las cosas,

no el copiar su apariencia.”
Aristóteles

Pink

Hay arte que no es solo para ser visto, sino para ser experimentado de forma activa. Hemos elegido a la artista Yoko Ono como ejemplo de este tipo de arte.

Las obras de Yoko Ono no existen en el espacio, sino que cada persona crea la obra en su propia mente después de leer una de sus instrucciones:

OBRA DESEO

Para Barcelona…

Piensa un deseo.
Escríbelo en una hoja de papel.
Dóblalo y cuélgalo en el árbol de los deseos.
Pídeles a tus amigos que hagan lo mismo.
Sigue deseando hasta que las ramas
Se cubran de deseos.

Yoko Ono, 1996-2001

Yoko Ono utiliza la palabra como materia prima de su arte, une el arte de museos con la literatura y la poesía. Hay quien relaciona sus instrucciones con el haikú; por sus versos sin rima y la ausencia de ritmo, poemas con un objetivo claro y preciso y expresados en un lenguaje corriente, sin hacer uso del sentimentalismo o la retórica. Pero lo que aquí tratamos no es poesía sino arte, arte conceptual en el sentido más estricto de la palabra.


Yoko Ono

Se trata de remover los principios conceptuales del arte, a través de la participación del espectador en la creación de la obra, se logra que el arte sea algo cotidiano a la vez que efímero, consiguiendo que sea actual. De aquí que el resultado contenga un contenido claramente social y político. El arte tradicional se basa en el materialismo, un objeto considerado como único adquiere un gran valor, se dice que es atemporal y sublime, como si unos Dioses hubieran creado la perfección para el disfrute humano, ese objeto se protege en los museos, sin dejar de banda el poderoso sistema comercial que lo envuelve.


Museo del prado

Con el arte conceptual la cadena se rompe, no existe objeto alguno a sacralizar, el arte adquiere una dimensión metafísica, el arte como producto mental, como experiencia viva y efímera. No basta ya con saborear el arte con los sentidos, a un nivel físico y material, sino que el arte también nos puede comunicar a un nivel trascendental. De ahí la unión de este tipo de arte con el budismo Zen, cuya esencia es la meditación para liberar nuestra alma de las ataduras terrenales.

OBRA DE LIMPIEZA

Haz una lista numerada de tristezas en tu vida.
Apila piedras de acuerdo con estos números.
Añade una piedra cada vez que haya tristeza.
Quema la lista y admira
el montón de piedras por su belleza.

Haz una lista numerada de felicidades en tu vida.
Apila piedras de acuerdo con estos números.
Añade una piedra cada vez que hay felicidad.
Compara este montón de piedras
con el de las tristezas.

Yoko Ono 1996

El Zen se centra en la mirada interior sin tener en cuenta el pensamiento lógico, y la manera de alcanzarlo es mediante el koan, una adivinanza sin solución lógica. Yoko Ono nos presenta unas instrucciones a resolver, y la manera de hacerlo no es a través del arte, sino de la reflexión sobre uno mismo.


Experimenta en tu mente

Pink

Desde siempre se ha discutido si la pintura debe de buscar la belleza como su cometido exclusivo o, por el contrario, debe de servir a otros fines. Los grandes formatos religiosos en nuestras iglesias, nos hablan de un interés por adoctrinar al pueblo llano con los hechos más relevantes de la religión mientras que la pintura histórica del XVIII y XIX parece ser un enaltecimiento de los prohombres de las patrias. Pero hay otros cometidos. Castelao, insigne gallego de la primera mitad del XX, hace una obra, básicamente dibujos si no me equivoco, donde une la denuncia de una sociedad injusta , la gallega, anclada en los privilegios de una tradición casi feudal, con una exquisitez infinita. No sabría decir si en ese autor me impacta más lo que dice y acusa o la belleza con que lo dice. Sus dibujos llevan dentro de si la finura del alma gallega, profunda de soledades y misterios como la fraga.

PRESTIGE

Eso fue en Castelao, ya hace cien años. Pero no es una casualidad que en esa tierra martirizada por el abandono, la emigración y una costa que terriblemente se llama “De la Muerte” – haciendo referencia a los marinos, que no es un bautismo para uso del turismo- surjan otros artistas que retomen el mismo espíritu de sus mayores. Y uno de ellos es Ricardo Outes. De entre su obra, que puede verse en http://www.oletuarte.com/usuarios/ricardooutes….. recojo tres pinturas , una, significativamente, dedicada al mismo Castelao, terrible, donde Outes parece querer entroncar y que a la vez es premonitoria… de una catástrofe que se refleja en las otras dos de las que nada necesito comentar porque hablan por sí mismas. Son obras fuertes, contundentes, pintadas con las mismas manos que quizá hoy mismo se encuentren arrancando fuel, todo al mismo tiempo, todo sintiendo la misma rabia. Son obras de este momento, de ahora mismo. Y llego con ello al encabezamiento de este pequeño artículo: ¿qué buscan los artistas?, ¿belleza , enseñanza o denuncia?. Outes nos da una respuesta inteligente: belleza, denuncia, testimonio.

ENDEXAMAIS

Quizá Ricardo Outes sea uno de estos pintores que uniendo en su obra lo intemporal de la belleza con lo muy temporal de sus propias vivencias en su propia tierra elabore una respuesta más que satisfactoria a nuestra cuestión. Sea como fuere, amigo lector, bien merece que dediques un momento a recorrer la página de este pintor que tan bien encarna el espíritu de Galicia. Es un buen ejemplo de cómo el arte puede ser contemporáneo de la propia vida. Y de esta inteligente manera, llegar a hacer una obra donde la belleza, para mí objetivo último del arte, lejos de quedar sola en una esterilidad estética, es bien acompañada por otros menesteres, alcanzando así cierta plenitud de la “obra completa”. Y es que el “arte” no sólo debe de ser arte, aunque sea necesario que sea arte.

CASTELAO

Joaquín Belmonte

“Dos desconocidos consiguieron colgar en las paredes del museo Guggenheim de Bilbao un cuadro ‘falso’ con el objetivo de hacerlo pasar por una obra de arte y denunciar de esta forma ‘el falso valor del arte moderno’.”


Laberinto de amor, Mike Nedo.1978

Ya sucedió con Marcel Duchamp o con Piero Manzoni entre otros, ahora otro artista Mike Nedo nos muestra su inconformismo respecto al concepto del arte que tenemos en la actualidad. Según él mismo manifiesta: “Cualquier cosa en arte puede ser importante si se difunde de forma adecuada”.

Nos encontramos ante la llamada sociedad del espectáculo de Guy Debord, donde son los medios los que nos dictan la verdad y la mentira, lo bueno y lo malo, lo bello y lo feo, de la misma manera nos dicen que es lo que tiene valor sin sustentar estos juicios en criterio alguno. El problema actual del arte es la falta de criterios, es el libre albedrío estético, el todo vale.

De esta manera es más fácil para nosotros salvar este problema y nos conformamos con ir a un museo donde se nos diga que es arte.

Pink

En homenaje al hace poco fallecido Hans-Georg Gadamer, vamos a referirnos a su planteamiento sobre el arte en su obra “La Actualidad de lo Bello”, en esta obra Gadamer busca la relación entre la tradición artística y el arte moderno, se enfrenta a Hegel cuando este se refiere a la “muerte del arte”, así como a las posiciones que consideran el arte como expresión puramente emotiva. Gadamer afirma que el arte es una forma de conocimiento, pues, de otra manera el arte como pensaba Nietzsche está vacío de “verdad”, a lo cual se suma que el arte actual prescinde de reglas. Por esto Gadamer piensa que se necesita “Justificar el arte”.

Se necesita “leer” en los objetos para descubrir sus valores de arte y belleza que facilitan su comprensión y la propia auto comprensión de lo humano a lo largo del tiempo y el espacio como descubrimiento de la verdad. La aparición del “arte objetual” y el “arte conceptual” y el hecho de que se eliminen los replanteamientos de la finalidad artística -ya no la belleza, sino incluso la fealdad o el “todo vale”- se han visto reforzadas en los últimos treinta años del siglo por diversas tendencias estéticas que generan confusiones, provocando una “crisis del arte”.

Esta crisis viene dada por un distanciamiento entre el artista y su destinatario. Así, por ejemplo, el arte pictórico de la alta Edad Media, era un texto de signos figurativos que instruía y permitía el conocimiento y la ilustración de un pueblo cumpliendo así una función en la sociedad. En cambio el arte no-figurativo de nuestro tiempo se convierte en un texto cerrado, hermético, sólo comprensible a una minoría. El arte de hoy representa una tarea para el pensamiento: pintura, música, teatro, arquitectura, poesía, no son textos abiertos, sino que requieren del conocimiento de un código para su comprensión por parte del destinatario.

“La obra de arte significa un crecimiento en el ser. “
GADAMER

Pink

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