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Aunque he dado por concluido mi presentación de lo que llamo “Pintura de las Mesetas” no se crea el lector que todo castellano está irrevocablemente condenado a reflejar su medio geográfico como único modo de expresión estética. Buen ejemplo de ello es la pintura de Álvaro Reja.

Este es un autor que, desde las parameras castellanas de Palencia, dirige su mirada no a las llanuras infinitas de las mieses que en este mes ya comienzan a amarillear, sino a sus propios mundos interiores, también infinitos, pero poblados de fábulas y personajes míticos, tal como si fuesen los pequeños geniecillos que en la Feria Chica pululan para encanto de los más niños.
Le traigo aquí, porque le admiro, pero le admiro porque encuentro en él dos cosas que suelen ser escasa en los pintores. Primero, su profunda maestría con el color. Son sus obras de una limpieza absoluta donde el óleo, -trasparente la mitad de las veces- , produce el gran espectáculo de un arco iris capturado sobre el lienzo a la primera, sin dudas ni correcciones. Como las fotografías hablan por sí mismas, le pido a usted que las mire con detenimiento, pues su contemplación es la mejor de las explicaciones. Evidentemente estamos ante un autor dotado de un don especial.
Y, segundo, porque siendo una pintura que sale de su propia alma no recurre al “desgarro” para expresarse. Es frecuente que los artistas que pintan no la realidad externa, sino su propio mundo interior, usen el fácil expediente de lo trágico para dar peso a su obra y captar la atención del público. Todos sabemos que la tragedia “vale” y “vende”. Pero esto es una trampa, uno de los recursos con que la mediocridad se disfraza, respondiendo al tópico erróneo de creer que bucear en la propia intimidad sólo puede dar como resultado el desgarro y el dolor. ¿No puede encontrarse quietud y serenidad en los pliegues de la propia alma y expresarlos tan bellamente que resulten ser una obra embelesadora y grata?. Por eso Álvaro Reja no recurre a este artificio.

Álvaro Reja mira dentro; pero no encuentra dolor, ni conflictos, ni terribles contradicciones .
El mundo interno de Álvaro Reja está poblado de seres frágiles que desde su hermetismo nos hablan de una realidad poblada de sueños y recuerdos, quizá de la infancia, pero que afloran vestidos por las categorías del arte, silenciosamente, por amor y gracia de unos pinceles maestros para los que el color no es ningún problema y el dibujo es algo tan natural como para los pájaros el aire.
Y así, la unión de la maestría y su pequeño cosmos totalmente personal, hacen de su obra algo perfectamente cuajado, algo maduro y original… precisamente porque no tiene ninguna voluntad de romper moldes.
Esta última cuestión nos lleva al sempiterno problema de qué sea o deba de ser la obra de arte; problema que en estos tiempos se encuentra agitado por todas las corrientes del arte… esa batalla entre arte de vanguardias, arte contemporáneo, arte coetáneo. La respuesta de Reja es sencilla: pintar es pintar. Sin prejuicios.

…Quizá nos encontremos ante un clásico. Pero eso el tiempo lo dirá.

Joaquín Belmonte

Procuraré opinar sobre Picasso con la cabeza fría intentando alejarme de la excesiva promoción de la que goza actualmente. Pregunto ¿por qué los medios no hablan tanto o por decirlo de alguna manera, siquiera algo más de Gutierrez Solana, de Isidre Nonell, o Agustín Riancho? Seguro que los pintores jóvenes, igual ni saben el nombre de estos otros artistas (no teneis la culpa vosotros chavales).

Picasso es el artista que pudo ser un genio y no lo fue, o como dice Albert Boadella: Si Picasso no se hubiese dejado influir por la intelectualidad de París, hubiese llegado a ser un grandísimo artista.

Presento este autorretrato porque con 15 años ya estaba bien plantada la semilla que debiera haber germinado. Observo todas las etapas de Picasso y me encuentro que en prácticamente todas, tiene influencias de Nonell, Anglada Camarasa, Ramon Casas, Braque en el cubismo. Que tenga esas influencias no tiene importancia, todos las tenemos y desde luego Picasso no ha sido un imitador. Pese a sus influencias, tiene su sello propio, pero por favor que no olviden los críticos e historiadores del arte de quién es mamo Picasso; y también le den tanta rondalla al genio, que es como ahora le llaman. No nos vamos a engañar, detrás de la hipervaloracion de Picasso hay intereses políticos, económicos y de muchas otras clases. Esto lo que esta haciendo es deformar la imagen real del artista, y haciendo que el publico vea sus obras con una visión contaminada por los medios de comunicación. No hay peor veneno para el arte que la intromisión de la política.

En las primeras épocas de Picasso veo un excelente pintor, con su sello pero no un genio. ¿Piensas ustedes que tengo intención de quitarle meritos a Picasso? Creo que no lo estoy haciendo porque aunque a un pintor le digas que es un excelente artista pero no un genio, tampoco es echarle al calabozo. Un genio requiere de siglos incluso para su canonización, llamar a un pintor genio es cosa muy seria y hoy en día, muchos críticos sueltan esa palabra por la boca con mucha ligereza Genios para mi serán si escojo por épocas: Giotto, Van Eyck, Miguel Angel, Rembrat , Monet , Cezzane. Ya les digo que eso requiere tiempo. ¿Hasta que época fue Picasso sincero pintando y a partir de que momento empieza a producir casi obras en serie? Miren ustedes, el número de obras de Picasso pues sino me equivoco, igual 3000. Es imposible hacer una obra con diligencia, si uno empieza a correr con los pinceles y a producir exageradamente. Picasso se endiosó de fama y aparco la humildad con la que debía haber pintado. Por esa razón advierto muchas desigualdades en su obra. Picasso en varias de sus etapas fue un excelente pintor, como lo fueron: Beruete, Juan de Echevarria, Kokoscha, Boccioni, etc. Lo que jamás se debe hacer es encumbrar a un artista por intereses políticos, de imagen y económicos.

Sin ir mas lejos el caso de Dalí, un gran pintor que fue lo suficientemente listo para convencer a la gente que el mismo era un genio ¡NI EL MISMO SE LO CREIA¡. Tal como ha corrido este pasado siglo. QUE REMEDIO LE QUEDO A DALÍ que adaptarse a los tiempos reinantes. Que sano sería para la creación pictórica, fumigar toda esta contaminación intrusa que esta sufriendo el artista.
Señores, como esto siga así, mejor que presentar el artista en una sala de exposiciones, será presentarlo en Hotel Glamour, Crónica Marcianas, Tómbola, o quien sabe si en Cine de Barrio ¡Santo Dios, cuantos sitios hay ya para tal menester¡

Guillermo Grandal Alonso

Título: Obelisc (Obelisco)
Material: Acero cortén.
Tamaño: 33 m de alto.
Fecha: 1996

Si hablo de Van Gogh, no pretendo teorizar. Simplemente como pintor que soy, voy a opinar sobre lo que me apasiona de este artista. He escogido este cuadro deliberadamente en donde no hay atisbo de las patologías que el tenía. Me refiero a que mucha gente quiere rebuscar en sus cuadros, neurosis y esquizofrenias. A mi entender las patologías no activan la creatividad; lo que hacen es andar molestando a los artistas que tengan la mala suerte de tenerlas como le pasó a nuestro artista.
Este cuadro es un fragmento de un cuadro que se haya en la National Gallery de Londres. A mi siempre me ha entusiasmado porque no es mas que un fragmento de prado verde donde no hay horizonte, un poco de verde con algunas flores. Debo hacer hincapié en que la imagen escaneada no da el tono real del cuadro. Cuando lo vi por primera vez, pensé: que bien están armonizados esos colores puros, son potentes pero perfectamente modulados, ha metido en unos lugares azules en otros, varias gamas de verde. ¡Que difícil es ese color dios mío¡ Vosotros colegas sabéis cuánto nos cuesta dar con el tono acertado de verde en el cuadro, para que no nos salga un verde que parezca un cromo,un verde chillón , sucio, etc. Vosotros lo sabéis de sobra. La falta de horizonte no asfixia la composición; Vincent Van Gogh poseía una retina tan genial y tan distinta de la de Sisley , Monet , Cezzane…

Una de las cosas mas difíciles que hay cuando se pinta impresionismo o cualquier otro estilo en el que se trabaja con colores puros, es lograr esa retina que tenga tu propio sello. El sistema de conjugación de los colores puros en Van Gogh y Monet, es totalmente distinto pero igual de sublime en los 2 artistas. Saber meter un violeta bien metido al lado de un verde, tiene la dificultad de qué intensidad tonal has de darle a ese violeta para que conjugue bien con ese verde. Hay que andar calibrando en la paleta a cada momento para ver si uno acierta y no caemos en el peligro de siempre: EL CROMO. Sí, esa palabra maldita es a la que todos los pintores nos aterroriza al emplear gamas altas de color. Allí es donde Van Gogh demostró su genio. Ni un verde de los que mete esta fuera de su sitio, ni un azul, todo esta ordenado en una sinfonía de colores maravillosa.

Ahora me empiezo a preguntar el porque de ciertas cosas que se dicen de Van Gogh, de que si era un artista de pocos recursos técnicos, que si dibujaba mal… No dibujaría como Leonardo o Rafael, eso seguro, pero ya solo con haber logrado esa sinfonía de colores que él supo alcanzar porque lo llevaba dentro, ya solo por eso merece estar entre los grandes. Éso, colegas pintores, también es oficio o técnica o como se quiera llamar, eso es una empresa harto difícil. Hoy en día mucha gente cree que un pintor que tiene alto nivel técnico es aquel que hace unos difuminados virgueros y unos acabados muy detallistas. En mi opinión es un error, que esta llevando a confusión a muchos jóvenes pintores. No es mas difícil una cosa que otra, son caminos igual de difíciles pero distintos en el proceso creativo. Los dos tienen la misma validez si están bien hechos. Ni mejor ni peor uno que otro, sencillamente la ruta elegida por el artista transita por autopistas lejanas una de otra.

Es cierto que Van Gogh en varios de sus cuadros hay desdibujos, pero también es cierto que hay gran cantidad de retratos en los que la construcción y modelado esta correcto. Puede ser que no fuese un dibujante excelso como Rubens. Indudablemente, lo suyo era el color. Escogió el camino en el que él creía; además hemos de tener encuenta que Van Gogh empezó muy tarde a pintar y murió a los treinta y tantos años. Esa edad para un pintor es todavía la primavera artística de la vida. El proceso de un pintor es largísimo y a mi entender demasiado dio de si para lo joven que murió. Quizá si Van Gogh se hubiese empeñado en ejercitarse mucho más en la disciplina del dibujo, hubiese sido un pintor distinto.

Os voy a contar una cosa: dar bien el color en pintura es igual de difícil, que saber dibujar con maestría.

Cuando me dicen que un pintor tiene mucha técnica pero poca creatividad, me suena extraño. El cuadro es un todo. Eso que llaman técnica a lo sumo seria la capacidad de reproducir la realidad a mano. Pero eso que llaman técnica, no está insertada el corazón y el alma, lo que pintes no estimulará a nadie e incluso puede llegar a aburrir al que lo ve. Ojo, no estoy criticando el hiperrealismo. Puede que alguno este pensando esto por lo que he dicho. Valen todos los caminos que quieras recorrer, pero con sensibilidad, con sentimiento, si todos los pintores pintasen el mismo estilo, seria muy aburrido.

El hecho de que el arte de hoy en día sea fragmentario, es decir que un tipo de estilo no defina en su totalidad lo que se esta haciendo, hace que el panorama sea mas ameno y
la gente pueda saciar su vista con mas variedad.

Desde aquí quiero hacer una advertencia a ciertos críticos empeñados en catequizar sobre lo que es arte. Porque una nueva conciencia está apareciendo.

NOTA: A ver si dejamos de frivolizar a Van Gogh; en demasía ya se ha encargado la prensa y las películas sobre su vida de hacerlo. Eso seguro que les vendrá bien a Shotebys y Cristies, eso ya no es una opinión subjetiva, tengo todas las de estar seguro por el panorama que hay por las subastas que es muy objetivo lo que he dicho.

Guillermo Grandal Alonso

Obra: El camino - Pintura Realista - Tamaño desconocido

Artista: Manuel Hurtado

Navegando por los foros de arte de Terra, encontré un “post” de un artista que nos invitaba a visitar su página web. La cual exponía un conjunto de muy buenas pinturas. Encontré fascinante la pintura “hombre del saco“, que con su hipermelancolía me absorbió durante minutos, el arte de este artista. Le envié un e-mail y le pedí si podía escribir sobre alguna de sus obras y que me enviara la obra que creía que era la más representativa de las que havia creado. Me envió la obra que arriba podéis ver.
Un paisaje que da fuerza al sentido y aviva la llama de la vida. Porque este cuadro es como el destino, el cual muchas veces éste nos concede el don de poder elegir que camino debemos tomar. Sabemos que el final del trayecto siempre es el mismo, pero, porque no escoger nosotros mismos que camino debemos tomar para llegar hasta allí. La ramificación del sendero, el estrato del camino, los campos no áridos sino verdes y otros cultivados y justo debajo del horizonte se alcanza a ver las montañas (Esas montañas que a veces encontramos jugando el rol del obstáculo en nuestro camino de la vida). Todo eso lo podemos ver antes de iniciar la marcha, gracias a Manuel Hurtado, el cual con gran maestría e intensidad ha pintado el inicio del destino cual mil caminos abriéndose a extensos pastos, campos, montes y ese pueblecito que queda escondido detrás de la primera meseta.

El trazo del pincel es exquisito y el hiperrealismo del cuadro ha llegado a crear pequeñas discusiones entre mis contertulianos, diciendo algunos (pocos entendidos ellos) que eso era una fotografía y no un conglomerado de óleo.

Allí en el horizonte, se reúnen todos los caminos; Salud amigos!

Don Berto Rascazzione

Como todos sabemos, una obra de arte tiene varios modos de ser interpretada, podemos fijarnos en la técnica, en el contenido, en el estilo, etc… hay infinitas formas de verla. Cuestiones en torno a la teoría freudiana como el inconsciente, los actos fallidos, el chiste, los sueños, entre otros conceptos estudiados por el psicoanálisis, nos ofrecen un nuevo panorama para explorar el arte.
Esta relación se hace evidente al nombrar autores como Paul Delvaux, Joan Miró, Pablo Picasso, Marcel Duchamp o René Magritte, ya que vemos reflejados los conceptos psicoanalíticos muy claramente.

“La Reproduction Interdite” Rene Magritte (1939) El mismo Magritte decia en una carta a Paul colinet (1957): “..cualquiera que este mirando el cuadro esta representando lo que el es.”

Pero fue precisamente Sigmund Freud el primer psicoanalista en aplicar el psicoanálisis al arte, analizó la obra de Leonardo da Vinci, de esta obra en que aparece la figura de Leonardo parcialmente fusionada con la de la Virgen y Santa Ana, supuso que el artista había dibujado a sus dos madres, su madre biológica y su madrastra. Esta disertación psicoanalítica temprana sobre la pérdida de los padres y la adopción cambiaron la manera en la que se interpreta el arte.

“Santa Ana, la Virgen y el Niño”Leonardo da Vinci (hacia 1502-1516)

A partir de aquí muchas han sido las aportaciones del psicoanálisis a la interpretación de las obras de arte, tanto en relación a la personalidad del autor, como a su plasmación del inconsciente, la interpretación de los sueños, la proyección (como en el ejemplo de Magritte), la defensa, la negación, etc…. Otro ejemplo lo representa Salvador Dalí, que hace de sus sueños obras de arte, en su obra vemos representado su más profundo subconsciente, los sueños como tales. Según Sigmund Freud el sueño es un acto psíquico importante y completo, y su fuerza impulsora es siempre un deseo por realizar. Su aspecto, en el que nos es imposible reconocer tal deseo, y sus muchas singularidades y absurdidades proceden de:

1) la influencia de la censura psíquica que ha actuado sobre él durante su formación, pero a más de la necesidad de escapar a esta censura, han colaborado en su formación,
2) una necesidad de condensar el material psíquico,
3) un cuidado de que fuera posible su representación por medio de imágenes sensoriales y,
4) además -aunque no regularmente-, el cuidado de que el producto onírico total presentase un aspecto racional e inteligente.

Obra: Título: Gran avió d’helix vermella (Gran avión de hélice roja)
Material: Hierro pintado e hilo metálico.
Tamaño: 10 x 5′20 x 0′57 m
Fecha: Realizada el 1991 pero inaugurada oficialmente el 30 de enero de 1992.
Ubicación: Av. Torreblanca 2-8. Sant Cugat del Vallès.

Artista: Riera i Aragó

Riera i Aragó crea para este espacio una gran hélice, motivo común en algunas de sus obras, mientras que el avión está representado por una parte, un círculo que puede hacer referencia a una rueda, creando un juego metonímico entre la parte y el todo. El todo se representa mediante una parte. Este es el juego de la creación del escultor. En un primer instante podemos pensar que se trata de una escultura que ha cambiado de la escala privada a la pública, pero caeríamos en el error. La pieza ha sido creada teniendo en cuenta el lugar que debía ocupar dentro de un espacio común con el edificio colindante. Esta escultura conversa y complementa una de las carencias del edificio, la calidez.

Las fotografias y el texto de este artículo tienen © Andrés Dengra Carayol y solo pueden utilizarse con su previa aprovación.

Andrés Dengra Carayol

Qué tiene que decir el arte sobre la guerra?

Nos preguntamos si pertenece a una misma raza, la persona capaz de crear las más maravillosas obras de arte y aquella capaz de matar y destruir por el afán de posesión. Lamentablemente, la respuesta es sí. Ambas facetas son humanas y hemos de aceptar que por más cualidades divinas que podamos poseer, también poseemos las más despreciables e indignas que podamos imaginar.

Se ha demostrado que no somos tan racionales como pensábamos y que nuestros instintos han vencido a nuestra razón. Hemos vivido mucho tiempo engañados creyendo en nuestra propia raza: la educación, la cultura, el mismo arte…. son aspectos humanos que han quedado atrás ante la violencia y la fuerza bruta, el arte no es más que una máscara, es nuestra piel de cordero, pero ay! qua hay detrás! egoismo, violencia, guerra! Qué fiero lobo se esconde tras la piel de cordero! Qué terrible puede llegar a ser el ser humano!

Pink

Obra: Toro — Trabajo de cobre — Dimensiones desconocidas

Artista: Manuel González Pazo

Bien, puedo contrastar que Manuel, primero se hizo artesano y con la pasión, maña y amor se convirtió en artista. La huella del arte se puede leer en su obra. Manuel es un artista de los de antes, de aquellos que se dedicaban con esmero, que pulían hasta el último detalle, que refinaban la obra hasta puntos de fineza y armonía.
El Toro es una escultura artística catalogada de artesanía. Horas de trabajo y sudores no justificarían un precio cualquiera por una vestigio taurino que consigue imprimir la nobleza y valor de un animal que miles de veces se ha enfrentado a la muerte. La mirada perdida en un objetivo indefinido, preparado para asestar la última cornada, esa que pretenderá acabar con la vida de su enemigo o bien con su sufrimiento.
El Toro es una escultura ideal para esas casas que quieren mostrar nobleza y orgullo familiar. Puede interpretarse de dos maneras, como un trofeo de una gesta en una plaza, con ese culto que se rinde al torero o bien como un respeto hacia ese animal jerárquico al cual el rebaño adora y venera con respeto.
No perdáis de vista a Manuel, estoy seguro que nos sorprenderá con otra obra de las suyas.

Don Berto Rascazzione