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En referencia al post titulado “El arte como forma de conocimiento”, donde se hablaba de una serie de etapas definidas por Michael J. Parsons. Hacemos aquí una extensión definiendo cuales son estas estapas; se trata de cinco etapas de desarrollo y veremos como cada etapa es más adecuada estéticamente que la anterior. Con la sucesión de etapas, se da una habilidad creciente para ponerse en el punto de vista de los demás, así como desde la primera etapa hasta la quinta hay un desarrollo hacia la autonomía de juicio, valoración, comprensión, etc…

El crecimiento de nuestra naturaleza social es el soporte del desarrollo de nuestra comprensión estética, así como de otros desarrollos cognitivos. Pero centrémonos ahora en las diferentes etapas:

1. ETAPA DE FAVORITISMO

• Se caracteriza por un placer intuitivo en la mayoría de las pinturas.
• Se da una arbitraria asociación con el tema.
• Hay una atracción por lo cromático: se valora más lo más colorido.
• No se es consciente del punto de vista ajeno.
• Es igual la forma de representación, se es permisivo:”todo vale”. En definitiva, no hay pinturas malas.

2. ETAPA DE BELLEZA Y REALISMO

• Aparece una idea dominante: el tema, todas las consideraciones se realizarán a partir de esta idea.
• La pintura es mejor si el tema resulta atractivo y si la representación es realista.
• Se considera un valor la habilidad y precisión del pintor, la eficacia, la perfección.
• Se observa un avance respecto al reconocimiento del punto de vista ajeno.
• La representación se valora en términos que permita el reconocimiento de todos.

3. ETAPA DE EXPRESIVIDAD

• Se busca en las pinturas la cualidad de la experiencia que pueden producir, en términos de sentimientos y pensamientos que desencadena.
• Se valora la autenticidad y el interés.
• Belleza, realismo, estilo, la habilidad del pintor están al servicio de la expresión, con tal de que haya una expresión no importa el tema, ni el estilo…
• Los valores son: originalidad, creatividad, novedad, profundidad del sentimiento provocado.
• Hay una nueva conciencia de la interioridad de otros.
• Se asume el carácter interior y único de la propia experiencia de los demás.

4. ETAPA DE ESTILO Y FORMA

• Se da una nueva intuición: el significado de un cuadro es una realización más social que individual.
• Se contempla el concepto de tradición pictórica.
• Hay un espacio intersubjetivo, las interpretaciones se pueden corregir, ampliar, dialogar…
• Hay una historia en la interpretación de las obras, se conoce la evolución de los estilos.
• Hay una serie de aspectos (históricos, públicos…) que tienen que ser integrados e influyen en la interpretación que se extrae del significado.
• Pone énfasis en como se trata el medio.
• Avance psicológico: se considera la tradición como un todo, donde caben diferentes interpretaciones individuales, pero que tienen una unidad propia, colectiva.
• Avance estético: se encuentra significado en el medio, forma, estilo.
• Se distingue entre el interés literario del tema y los sentimientos que invaden la obra.
• Se considera útil la crítica experta. Puede guiar al observador o puede contribuir a objetivar el juicio estético.

5. FASE DE AUTONOMIA

• Culminación. Se cae en la cuenta de que es el individuo el que ha de juzgar los conceptos y valores con los que la tradición constituye las obras de arte.
• Se ve una evolución en la historia de los estilos: el artista se debe a los estilos anteriores, sobre esta base sube un peldaño, no hay una ruptura sino un progreso.
• Hay una adaptación a la contemporaneidad; se tienen en cuenta los nuevos materiales, los nuevos problemas de la sociedad, etc…
• Hay una elaboración personal actualizada de lo social, tanto en el artista como en el sujeto que lo percibe.
• Se es consciente de la propia experiencia personal y de las influencias que se tienen.
• Hay un esfuerzo por ver lo universal, y trascender de la propia cultura, rechazo al etnocentrismo.
• Hay diálogo con la respuesta de los otros.
• El estilo deviene como algo no firmemente establecido, sino como un algo con propósito, intencionalidad…
• El arte se considera como un medio para establecer preguntas más que para transmitir verdades.

“Tenemos una necesidad de ponernos en el lugar de otros, tenemos una necesidad de resolver problemas de interacción, en la evolución surge esta capacidad de autoconciencia y de conciencia de los otros puntos de vista. Comprender al otro es comprender lo que soy, debido al proceso de socialización. Para hacer posible la socialización, necesitamos acumular experiencias…Tenemos pues una capacidad tremenda de comprensión de datos, resolver su ambigüedad… la cultura occidental se ha preocupado por ofrecer estas experiencias.” Humphey

Pink

Obra: Vicios, óleo sobre tabla 30×22

Artista: Pablo Bellas

La obra “vicios” de corte hiperrealista representa dos de los grandes vicios de la humanidad; el alcohol y el tabaco, su representación tiene una técnica envidiable, una buena perspectiva, etc…, pero lo que más me llama la atención es que la representación de estos vicios, de forma aislada, como si existieran sin la presencia humana. He buscado en los reflejos de la copa, he buscado sombras, movimientos… pero nada, no hay señal de vida en esta obra.

No puedo concebir los vicios sin sus autores, me imagino una obra con este tema y no encaja con lo que veo, donde está la degradación que causan los vicios, el desorden? la definición de vicio incluye el descontrol, el desconcierto, en cambio esta obra representa todo lo contrario, hay orden, pulcritud, la colilla apagada no ha dañado el mantel con su calor, la copa está limpia y brillante.

Mi conclusión; el alcohol o el tabaco no son la parte sucia de los vicios, aquí se representan tal i como son, está demostrado que el vino es beneficioso si se toma con moderación, y el tabaco se mastica en muchos lugares y no causa enfermedades mortales, porqué los culpamos de nuestras debilidades?

Pink

Obra:	La niña del verdugo — Material: Resina — Tamaño 45X45 Cm
Artista:	Gonzalo Rodriguez Camacho

Impactante y brutal la obra de Gonzalo Rodríguez, una obra que rompe límites, que nos muestra lo que no deseamos ver, nos abre los ojos a una realidad cruda y directa, sin más dilaciones. Que se puede decir de una obra que habla por sí sola, donde se unen la muerte y la vida, el asesinato y la inocencia, la maldad y la bondad. Dos elementos componen la obra: una silla eléctrica y una niña. La silla, como elemento usado en ejecuciones de condenados a muerte, en cualquier otro contexto podría simbolizar incluso la justicia! Pero aquí no, el artista nos muestra su intención de poner en duda dicha justicia, cuando une la silla a una indefensa niña, en este caso la silla sólo nos hace tener ideas negativas: la muerte, el poder, el asesinato, y la maldad.

Pocas obras nos hablan de una manera tan crítica y madura, afrontando los problemas que existen en este mundo que, por suerte o por desgracia, nos ha tocado vivir.

Pink

“Tierra de Campos” dentro de la Meseta Norte es, posiblemente, una de las zonas geográficas con personalidad más definida dentro de la geografía española. Sus peculiaridades son dos: unas llanuras onduladas donde la arcilla y el cereal son sus señores absolutos, con casi total ausencia de cualquier otra cosa; unos pueblos edificados en barro, los adobes, que por ser de la misma tierra, se mimetizan con el paisaje. No creo que en toda Europa se encuentre algo parecido.
El desafío es pintarlo, y sobre todo, hacerlo, intentando captar, fuera de toda anécdota, sus rasgos esenciales y definitorios.
Y esto es lo que hace Joaquín Vaquero Palacios, pintor asturiano, residente en Madrid y Segovia, pero que, cruzando nuestras tierras desde el tren, capta de una manera maravillosa y esencialista, con toda la fuerza de quien fue conocedor del expresionismo, la verdadera dimensión estética de estas tierras.
En el cuadro que presento, “Adobe y sembrados” de 1978, solamente quiero hacer resaltar algo que pasa desapercibido a los que no son conocedores de esta arquitectura: esos edificios amasados, que se levantan sobre la misma tierra, y frecuentemente no llevan cimientos. La primera hilada, ya sobre el suelo, es de adobe. ¡ Y no se caen!.
Castilla, esta Castilla, es la verticalidad de la tierra que, por mano del hombre, se levanta sobre la otra tierra, la horizontalidad geológica, sin más ayuda que la misma tierra y las manos de los castellanos. Bien pudiera tomarse como una metáfora de otra realidad más profunda de la que ahora no quiero hablar para ser breve.
Y Joaquín Vaquero lo capta. Quiero pensar que él no lo sabe; para ello hay que meter las manos al barro o, cuando menos, fumar algunos celtas con quien lo hace, a media mañana. Lo sorprendente es que nuestro pintor lo capta. Y lo hace desde las ventanillas del tren.
No me extiendo más. La pintura habla sobre sí misma: esencialidad, parquedad de paleta, contundencia. Una interesante manera de entender el paisaje y qué sea eso de la belleza, a la par que una excelente percepción sociológica de esta tierra.
… Perdón, me desdigo: algo más. No hay ventanas en los edificios. ¿Será un reflejo del ensimismamiento castellano, alejado de la periferia donde se cuece la modernidad?. Digamos que a la finura sociológica, Joaquín Vaquero le añade una excelente sensibilidad psicológica.

Este es el pintor. Esta es la tierra.

Obra:	Sin Título — 11/2001 — COLOR — Tamaño 25X20CM
Artista:	Avramov Nissim

En la crítica anterior a esta, analicé muy por encima una obra del artista Constantino Álvarez; su obra, “Los limones” invocaba los alardes del hiperrealismo. Bien, no he podido reprimir mis impulsos y he buscado entre mis archivos una obra que tiene cierta similitud con la pintura “Los Limones”. No por el trazo del artista, ni por el acabado, sino más bien por el significado del cuadro. Los dos invocan el verano con sus colores y dan temple al ambiente por su cuidado esmero a la hora de elegir el color.
Podemos observar una señora entrada en carnes, dando la espalda para no enseñar las vergüenzas. Pero esto no es lo que quiere mostrarnos el artista: Si miramos las curvas que describen de cadera hacia abajo encontraremos la forma de un mango tropical, el pecho indica el inició de otra fruta montada encima de la primera. El fondo blanco esgrime la pureza de la señora y la frescura de la fruta, cual fuera el primer día de recolecta. Así pues hay cierta similitud entre entender que la mujer obesa también es apetecible en horarios veraniegos y muy de agradecer en las gélidas horas nocturnas de la Rusia siberiana. Como es apetecible la ensalada de mangos bajo un calor sofocante y dulce sin sabor que da calor al cuerpo cuando catas el licor de mango.
La pintura inacabada de espalda para arriba y de rodillas hacía abajo indican una cierta sutileza por parte de Avramov, para esconder los otros tributos de la mujer. Imagino unos tobillos redondos y bien formados y un rostro tropical y picaresco. De esta manera se consigue llamar la atención al avispado visitante del recóndito lugar donde este colgado esta pequeña perla de significado. Muy seguramente en una gran metrópoli.

Don Berto Rascazzione

Obra:	Limones – Pastel – 1994 – 65X70
Artista:	Constantino Álvarez

El sombreado y el estilo empleado dan hincapié al saludo del verano. La mitad de un limón da la bienvenida a las secreciones salivales untando las papilas gustativas. Su realismo tiende al encandilamiento de la figura, centrando la atención en la frescura del trazo y del alimento. El negro de fondo contrasta con el amarillo del limón realzando su figura hasta cotas de contrastes y figuras representativas. La pintura en si, evoca a pocos momentos, siendo más sencillo decir que son limones a querer interpretar alguna figura oculta entre las sombras. Si quiere darse una interpretación, sencillamente no puede ser más diametralmente opuesta que compararlo con dos erguidos pezones saludando a despecho. La mitad del limón recuerda a unos esfínteres totalmente contraídos por la acidez del dibujo. Detrás de esta mitad, un huevo de pascua.

Don Berto Rascazzione

La percepción es una forma de pensar, por tanto, hay muchos tipos de percepción, ya sea activa, inteligente, consciente, pasiva…. En referencia a las teorías de Michael J. Parsons respecto a la percepción, nos fijaremos en que Parsons establece tres tipos de cognición:

1. Empírica: se refiere al mundo exterior, de los objetos.
2. Moral: se refiere al mundo social, de las normas.
3. Estética: se refiere al mundo interior, de uno mismo.

Así pues, Parsons define el arte como “la expresión y el conocimiento de uno mismo y de la naturaleza humana”.

Todo aprendizaje requiere de un tiempo de asimilación y la sucesión de una serie de etapas que nos acercan a una comprensión más compleja y más madura de aquello que estamos aprendiendo. Si aceptamos que la comprensión del arte se produce en etapas, con un cierto aprendizaje, podemos decir que el arte es una forma de cognición distinta al conocimiento científico.

El arte es, en definitiva, una manera de conocer la realidad que difiere del conocimiento científico. El arte supone una actividad mental que tiene sus propios conceptos e inquietudes.

Conocer a través del arte no es tarea fácil, ya que en nuestra sociedad no se enseña a expresar o conocer el arte, sino que el único conocimiento que se acepta como verdadero, es el conocimiento científico, el que nos muestra la “verdad”. Así nuestra percepción del arte variará dependiendo del nivel de comprensión que podemos llegar a alcanzar. Ante una obra de arte podemos ver belleza, un estado emocional, el medio utilizado, la forma, el estilo o el juicio estético.

Parsons alcanza a distinguir cinco etapas de desarrollo por las que pasan las personas respecto el arte, pero este tema lo trataremos en el siguiente post.

Más información en: PARSONS, Michael J (1988): “The Place of a Cognitive Developmental Approach to Aesthetic Response”

Pink

Hoy en un periódico he leído la siguiente frase: “acabar con la falsa división entre cultura popular y alta cultura”, esta frase me ha hecho pensar que esta división realmente existe y cada vez parece ser más grande. El principal problema que se aprecia es que cada vez se está bajando más el nivel cultural de las personas, empezando por la enseñanza y acabando con los medios de comunicación. Ha llegado un punto que para mirar la televisión tienes que tener un coeficiente intelectual inferior a 100, porque de otra manera es un insulto constante a la inteligencia.

Esta sociedad esta entrando en grandes cambios y la gran decadencia, que nos alcanzará en la próxima generación, espanta. La falta de valores morales, de sensibilidad hacia el arte y la cultura, a la simple curiosidad por saber más junto con el afán de apariencia y consumismo, harán que la finalidad de convivir en sociedad, en lugar de enriquecernos unos a otros, nos destruya.

Sin ánimos de ser pesimista, este post sólo pretende alertar de un problema que existe y del que pronto veremos las consecuencias.

Pink

Normalmente cuando hablamos de pintura de paisaje solemos, supongo que inconscientemente, imaginar campos verdes, arboledas y un fondo de montañas. Ese es el paisaje por antonomasia. Ese es el paisaje europeo, el mismo que, adaptado a nuestro gusto trajo Carlos de Haes desde su Bélgica natal hasta su Catedra de Madrid allá por la segunda mitad del XIX………
Sin embargo, España, con sus crisis de identidad, con su generación del 98, con sus pensadores como Unamuno o pintores tal que Zuloaga, fueron abriendo camino a una concepción distinta de este género pictórico que, con el paso del tiempo, desemboca en esos artistas que bien se pueden llamar “pintores mesetarios”.
Son “pintores mesetarios” aquellos que, sin renunciar a la peculiaridad de la pintura del paisaje como una pintura descriptiva, narrativa, si que lo hacen a parte de los colores de la paleta y a muchos motivos, para centrarse en la búsqueda del profundo desnudo que tenemos en la geografía de ambas mesetas.
Estos pintores narran una historia, frecuentemente fuera del tiempo, que nos sitúa ante un tipo de realidad tan descarnada como bella.
Frente a las composiciones gratas, amables, de otros estilos, por cierto, nada desdeñables, estos son autores de esencias, buscadores de intangibilidades, perseguidores de la minimalidad, casi casi abstractos, sin pretender serlo, quienes posando sus pinceles sobre una realidad concreta extraen de ella aquello que siendo casi nada, lo es todo. Y esto se refleja en su obra.
Como ejemplo de ello, propongo la figura de Martínez Novillo quien desde su ascetismo pictórico nos presenta una visión de la Mancha verdaderamente interesante. Le presento, pero no quiero comentarle ya que soy uno de esos convencidos de que ante la pintura es mejor ver que hablar dado que es un arte donde lo que se trasmite no es adecuadamente expresado por la pura palabra. Y por tanto mejor dejar de escribir y que sea la obra quien tome el protagonismo.
Solamente recalcar ese fenómeno curioso por el que este tipo de pintura traspasa la frontera de lo grato para llegar directamente hasta las regiones de la belleza pura, y aún más, sobrepasa las fronteras de la belleza para penetrar en la mismidad del alma humana.
Comienza el silencio.

Es el momento de la vista…