artistas.es

Nos podríamos remontar a Marcel Duchamp y los dadaístas de principios del siglo XX, pero no es hasta después de la Segunda Guerra Mundial cuando se percibe una ruptura clara con el concepto de arte convencional. Primero se abandonó la composición pictórica convencional y las referencias a los ámbitos académicos por los artistas informales, artistas como Pollock de EEUU, Mathieu de Francia, Wols de Alemania y Appel y Jorn del Cobra Group, artistas que, al igual que Duchamp, no sacrificaron el valor sublime de la obra de arte.

Jackson Pollock, Number 8 (1949)

Al mismo tiempo surgía la performance paralelamente en artistas de diferentes ámbitos, John Cage libera el arte de sus preceptos ancestrales con su teoría sobre los “procesos al azar” que combina la filosofía occidental con la fenomenología oriental. Cage introduce el procedimiento del azar en el arte como técnica para distanciar el arte del egocentrismo característico de la producción estética desde el Renacimiento. En Japón surge el Gutai Group (1954), en Francia George Mathieu y poco más tarde Yves Klein, en Nueva York es Allan Kaprow quien introduce el término happening (1959).

John Cage

George Matieu

En este momento se trataba de desechar los materiales y los métodos convencionales que en sí mismos estaban cargados de características culturales, sociales y políticas burguesas. Intentaban romper el exaltado valor del objeto de arte y poner el concepto de creatividad en contacto directo con la realidad. A finales de la década de los 50 y principios de los 60 surgen diferentes grupos creadores de nuevas ideas y soluciones en sus obras como American Pop y Brithish Pop, Les Nouveaux Réalistes, La Figuration Narrative y Fluxus que culminaron entre 1967 y 1972 en un numeroso grupo que creo el arte conceptual.

Cartel del 4 Concierto Fluxus, Düsseldorf (1963)

Andy Warhol, CampbellsSoup, (1962)

El arte conceptual como síntesis de las ideas y reflejos artísticos procedentes de los movimientos antes mencionados, indefinible en su estilo, material o forma, tiene que ver sobre todo con ideas y significados. Se trata de un arte que dialoga porque está vivo, un arte actual porque se nutre de los acontecimientos sociales, un arte activo porque te obliga a participar y a opinar, en definitiva, un arte que no deja a nadie impasible.

“La finalidad del arte es dar cuerpo a la esencia secreta de las cosas,

no el copiar su apariencia.”
Aristóteles

Pink

Obra: Mare Nostrum — Tamaño desconocido — Ceras — Marzo 2002

Artista: Paloma Carballal Recoder (Uxua)
¿Cómo es el mar por dentro? ¿Qué depara el futuro incierto? Mare Nostrum nos entrega las respuestas en forma de enigma. Paloma Carballal ha recreado con vigor el enigma del mar y el enigma de la historia del hombre.
Cuatro columnas de agua se alzan del mar queriendo tocar el cielo y debajo, los seres del mundo subacuatico celebran la ceremonia dentro de las cavernas de los acantilados. Miles de burbujas bailan unas con otras buscando la superficie. Estas han sido creadas de las zambullidas de los espíritus del aire que van a visitar sus hermanos los acuáticos.
La obra esgrime unos colores fríos. El mar es representado con confusión, el verde oscuro con el negro de sombras crean las rocas y el acantilado. Los vacíos que quedan entre color y color, son aprovechados por el artista para poder crear profundidad y cierta perspectiva en la pintura. Las burbujas que suben hacia el exterior parecen salidas de la urgencia del trazo. Afortunadamente, Paloma dio con acierto y encajan perfectamente en la temática del cuadro. Las columnas de agua, han sido realzadas con sombras de azul fuerte, creando la merecida sensación de volumen.
El cuadro es ideal para salas donde se realizan negociaciones. Puesto en un lugar estratégico, donde este a la vista del sujeto que quiera negociar con nosotros y a nosotros dándonos la espalda, crea desconcierto y sensación de ser insignificante al sujeto, en comparación con el coloso que es el mar. Nosotros que nos encontramos justo delante del cuadro, sus hijos. Los hijos del mar.

Don Berto Rascazzione

Hay arte que no es solo para ser visto, sino para ser experimentado de forma activa. Hemos elegido a la artista Yoko Ono como ejemplo de este tipo de arte.

Las obras de Yoko Ono no existen en el espacio, sino que cada persona crea la obra en su propia mente después de leer una de sus instrucciones:

Yoko Ono utiliza la palabra como materia prima de su arte, une el arte de museos con la literatura y la poesía. Hay quien relaciona sus instrucciones con el haikú; por sus versos sin rima y la ausencia de ritmo, poemas con un objetivo claro y preciso y expresados en un lenguaje corriente, sin hacer uso del sentimentalismo o la retórica. Pero lo que aquí tratamos no es poesía sino arte, arte conceptual en el sentido más estricto de la palabra.

Yoko Ono

Se trata de remover los principios conceptuales del arte, a través de la participación del espectador en la creación de la obra, se logra que el arte sea algo cotidiano a la vez que efímero, consiguiendo que sea actual. De aquí que el resultado contenga un contenido claramente social y político. El arte tradicional se basa en el materialismo, un objeto considerado como único adquiere un gran valor, se dice que es atemporal y sublime, como si unos Dioses hubieran creado la perfección para el disfrute humano, ese objeto se protege en los museos, sin dejar de banda el poderoso sistema comercial que lo envuelve.

Museo del prado

Con el arte conceptual la cadena se rompe, no existe objeto alguno a sacralizar, el arte adquiere una dimensión metafísica, el arte como producto mental, como experiencia viva y efímera. No basta ya con saborear el arte con los sentidos, a un nivel físico y material, sino que el arte también nos puede comunicar a un nivel trascendental. De ahí la unión de este tipo de arte con el budismo Zen, cuya esencia es la meditación para liberar nuestra alma de las ataduras terrenales.

El Zen se centra en la mirada interior sin tener en cuenta el pensamiento lógico, y la manera de alcanzarlo es mediante el koan, una adivinanza sin solución lógica. Yoko Ono nos presenta unas instrucciones a resolver, y la manera de hacerlo no es a través del arte, sino de la reflexión sobre uno mismo.

Experimenta en tu mente

Pink

Obra: Brahms 2nd Symphony– Acrílico Monoprint– 59×42 cm.

Artista: Hilli Thompson

Aquí tenemos una fantástica iniciativa surgida de una mente original. Como recrear el sentimiento que despierta la música en un individuo sobre un medio físico.
En este caso Hilli Thompson eligió la 2á Sinfonía de Johannes Bramhs, puso la música a todo volumen y se dejó ir. Observamos como el artista deja una fuerte imprenta de su mano en todo lo que es el color rojo y el color verde oscuro. El azul, lo usa para dinamitar la gran pasión que le ha despertado la sinfonía, consiguiendo el equilibrio de tonalidades.
Hill recrea una esfera, una pelota de energía, un instante de pasión, un latido de corazón y en su interior un espíritu danzarín que persigue las notas de la sinfonía. Para ello no duda en mezclar los tres colores en un nexo de unión (la parte superior de la esfera). El nexo, toma forma de cabeza humana y si seguimos la diagonal hacia abajo, persiguiendo el azul, podemos entrever una figura humanoide flotando en su interior. El rojo representa un anillo de fuego que se esconde en el interior de otro anillo más grande de tierra (el verde oscuro). Una base de agua, mantiene bajo control los dos anillos. Estos quedan sujetos formando una esfera de 2 áureas.

Don Berto Rascazzione

Obra: Familia — TÉCNICA MIXTA SOBRE MADERA — 42 X 60 cm.

Artista: ANTONI CAMARASA

Navegando por la red, encontré un día este cuadro. Después de un buen rato observando sus líneas y los colores utilizados, llegué a la conclusión que el cuadro ideal para las oficinas centrales de las ONG debería seguir una temática similar a la utilizada en esta pintura.

La familia, como así llama Antoni al cuadro, representa la unión fraternal del medio árido que rodea a la familia de zorros y la composición de la base de la obra (madera). Con este estilo, el artista provoca un feeling entre el medio y el paisaje “Es una pintura, pero sabe a bosque”. Los colores utilizados son bastos y las líneas para definir las formas, vulgares. Aun así, sin tener un trazo definido, el autor muestra como con rayas se puede llegar a recrear una escena sin llamar la atención. Lo que más puede destacar de la obra es el concepto que se puede leer en él si la obra se cuelga en una ONG.

La mamá zorra, conversando con sus cachorros sobre cual plato es más exquisito, si el conejo o la liebre. Los cachorros parecen ratas o ardillas, pero imaginémonos que la zorra los ha adoptado como adopta muchas veces el primer mundo al tercero, dándoles un buen manjar, para luego comérselos cuando ya están grasos. El terreno es árido, como lo es en muchos casos el mundo donde habita la miseria. La madre zorra, tiene la cola en posición horizontal como un manto protector, pero no cubre muy bien; seguramente debe cubrir las alimañas que se esconden bajo tierra. Los cachorros de zorro o ratas o ardillas miran fijamente a la madre zorra, pero la madre zorra pierde su vista en el horizonte; debe estar mirando los fondos de inversión. La pregunta es ¿Quien es la madre zorra? El gobierno o la ONG.

Don Berto Rascazzione

Desde siempre se ha discutido si la pintura debe de buscar la belleza como su cometido exclusivo o, por el contrario, debe de servir a otros fines. Los grandes formatos religiosos en nuestras iglesias, nos hablan de un interés por adoctrinar al pueblo llano con los hechos más relevantes de la religión mientras que la pintura histórica del XVIII y XIX parece ser un enaltecimiento de los prohombres de las patrias. Pero hay otros cometidos. Castelao, insigne gallego de la primera mitad del XX, hace una obra, básicamente dibujos si no me equivoco, donde une la denuncia de una sociedad injusta , la gallega, anclada en los privilegios de una tradición casi feudal, con una exquisitez infinita. No sabría decir si en ese autor me impacta más lo que dice y acusa o la belleza con que lo dice. Sus dibujos llevan dentro de si la finura del alma gallega, profunda de soledades y misterios como la fraga.

PRESTIGE

Eso fue en Castelao, ya hace cien años. Pero no es una casualidad que en esa tierra martirizada por el abandono, la emigración y una costa que terriblemente se llama “De la Muerte” - haciendo referencia a los marinos, que no es un bautismo para uso del turismo- surjan otros artistas que retomen el mismo espíritu de sus mayores. Y uno de ellos es Ricardo Outes. De entre su obra, que puede verse en http://www.oletuarte.com/usuarios/ricardooutes….. recojo tres pinturas , una, significativamente, dedicada al mismo Castelao, terrible, donde Outes parece querer entroncar y que a la vez es premonitoria… de una catástrofe que se refleja en las otras dos de las que nada necesito comentar porque hablan por sí mismas. Son obras fuertes, contundentes, pintadas con las mismas manos que quizá hoy mismo se encuentren arrancando fuel, todo al mismo tiempo, todo sintiendo la misma rabia. Son obras de este momento, de ahora mismo. Y llego con ello al encabezamiento de este pequeño artículo: ¿qué buscan los artistas?, ¿belleza , enseñanza o denuncia?. Outes nos da una respuesta inteligente: belleza, denuncia, testimonio.

ENDEXAMAIS

Quizá Ricardo Outes sea uno de estos pintores que uniendo en su obra lo intemporal de la belleza con lo muy temporal de sus propias vivencias en su propia tierra elabore una respuesta más que satisfactoria a nuestra cuestión. Sea como fuere, amigo lector, bien merece que dediques un momento a recorrer la página de este pintor que tan bien encarna el espíritu de Galicia. Es un buen ejemplo de cómo el arte puede ser contemporáneo de la propia vida. Y de esta inteligente manera, llegar a hacer una obra donde la belleza, para mí objetivo último del arte, lejos de quedar sola en una esterilidad estética, es bien acompañada por otros menesteres, alcanzando así cierta plenitud de la “obra completa”. Y es que el “arte” no sólo debe de ser arte, aunque sea necesario que sea arte.

CASTELAO

Joaquín Belmonte

“Dos desconocidos consiguieron colgar en las paredes del museo Guggenheim de Bilbao un cuadro ‘falso’ con el objetivo de hacerlo pasar por una obra de arte y denunciar de esta forma ‘el falso valor del arte moderno’.”

Laberinto de amor, Mike Nedo.1978

Ya sucedió con Marcel Duchamp o con Piero Manzoni entre otros, ahora otro artista Mike Nedo nos muestra su inconformismo respecto al concepto del arte que tenemos en la actualidad. Según él mismo manifiesta: “Cualquier cosa en arte puede ser importante si se difunde de forma adecuada”.

Nos encontramos ante la llamada sociedad del espectáculo de Guy Debord, donde son los medios los que nos dictan la verdad y la mentira, lo bueno y lo malo, lo bello y lo feo, de la misma manera nos dicen que es lo que tiene valor sin sustentar estos juicios en criterio alguno. El problema actual del arte es la falta de criterios, es el libre albedrío estético, el todo vale.

De esta manera es más fácil para nosotros salvar este problema y nos conformamos con ir a un museo donde se nos diga que es arte.

Pink

En homenaje al hace poco fallecido Hans-Georg Gadamer, vamos a referirnos a su planteamiento sobre el arte en su obra “La Actualidad de lo Bello”, en esta obra Gadamer busca la relación entre la tradición artística y el arte moderno, se enfrenta a Hegel cuando este se refiere a la “muerte del arte”, así como a las posiciones que consideran el arte como expresión puramente emotiva. Gadamer afirma que el arte es una forma de conocimiento, pues, de otra manera el arte como pensaba Nietzsche está vacío de “verdad”, a lo cual se suma que el arte actual prescinde de reglas. Por esto Gadamer piensa que se necesita “Justificar el arte”.

Se necesita “leer” en los objetos para descubrir sus valores de arte y belleza que facilitan su comprensión y la propia auto comprensión de lo humano a lo largo del tiempo y el espacio como descubrimiento de la verdad. La aparición del “arte objetual” y el “arte conceptual” y el hecho de que se eliminen los replanteamientos de la finalidad artística -ya no la belleza, sino incluso la fealdad o el “todo vale”- se han visto reforzadas en los últimos treinta años del siglo por diversas tendencias estéticas que generan confusiones, provocando una “crisis del arte”.

Esta crisis viene dada por un distanciamiento entre el artista y su destinatario. Así, por ejemplo, el arte pictórico de la alta Edad Media, era un texto de signos figurativos que instruía y permitía el conocimiento y la ilustración de un pueblo cumpliendo así una función en la sociedad. En cambio el arte no-figurativo de nuestro tiempo se convierte en un texto cerrado, hermético, sólo comprensible a una minoría. El arte de hoy representa una tarea para el pensamiento: pintura, música, teatro, arquitectura, poesía, no son textos abiertos, sino que requieren del conocimiento de un código para su comprensión por parte del destinatario.

“La obra de arte significa un crecimiento en el ser. “
GADAMER

Pink

Obra: Tormenta bajo Kapiti– 11/2001 — Óleo en sondeo desfragmentado– 87X54CM

Artista: William Gee Painter

Hoy salía de mi casa para dirigirme al trabajo y durante el trayecto he observado que había mucho tránsito. En el pueblo donde yo vivo durante 11 meses esto es inusual, pero cuando llega el mes de agosto, la gente de las grandes urbes nos invade. Reflexionando sobre este hecho, pensaba en como debe ser la vida de estas personas durante los otros 11 meses restantes los cuales conviven con la esclavitud capitalista de la ciudad. Me imagino un otoño gris, un asfalto triste. Me imagino un invierno helado, unos árboles melancólicos. Me imagino una primavera lluviosa, charcos que duran y perduran entre depresiones de calles degradadas por el tránsito estresante y duradero.
Entonces es cuando entiendo el por que de escapar durante ese mes de ficticia libertad. La gente no deja de ser gente por vivir en grandes ciudades y si van y vienen a los pueblos de costa o se acercan al monte o al pueblo, es para recordar sus orígenes y si ya no son los suyos entonces para catar un poco de paz, serenidad, tranquilidad. Por eso elegido este cuadro; para cuando lleguen a casa cada día después del trabajo durante los 11 meses restantes, puedan rememorar los sentimientos del mes de agosto. Una ventana al mundo, mi mundo. Creo que todo el mundo debería tener un cuadro como este en su casa.
Aunque William Gee no posea la capacidad de crear desde un punto 0, ya que todas sus obras son reproducciones de paisajes y pasajes verdes, la obra, si que tiene la capacidad para recrearla con calor y nostalgia. El artista invoca los 4 elementos, agua (el mar), tierra (montañas y arena), aire (cielo tormenta) y fuego (el sol que se despide). En conjunción, los 4 elementos crean el equilibrio dando una sensación de plenitud a la persona que quiera sumergirse en su interior. Las nubes de tormenta recuerdan a esas tormentas de verano que vienen y se van, este acto de la naturaleza plasmado en el cuadro es el que resucita la nostalgia. El sol que se funde con el horizonte rompe la barrera de lo que sería un cuadro frió y golpea contra el mar para regalarnos el sentimiento de serenidad que buscaríamos en una pintura así. Las montañas, llaman a la perspectiva y nos invitan a pasar unos minutos en estas playas, quedándonos absortos. Creo poder oír las olas del mar después de estar unos minutos mirando el paisaje.
William Gee, se ha topado con la suerte y muy seguramente lo tocó un ángel el día que decidió pintar este cuadro.